Art vs Design – การอภิปรายที่ไม่มีวันตกยุค

ใช้เวลาในการทำงานร่วมกับนักออกแบบมืออาชีพ แล้วคุณจะได้เรียนรู้ว่าศิลปะที่สมดุลกับการออกแบบเป็นวิธีที่แน่นอนในการปลุกระดมและฟังคำพูดที่ชัดเจน เช่น:

• “การออกแบบ ไม่ใช่ ศิลปะ การออกแบบต้องใช้งานได้”
• “ศิลปะมีขึ้นเพื่อกระตุ้นความคิดและอารมณ์ แต่ไม่สามารถแก้ปัญหาได้”
• “ศิลปินใช้สัญชาตญาณเป็นหลัก ในขณะที่นักออกแบบใช้กระบวนการที่เป็นระบบและขับเคลื่อนด้วยข้อมูล”

น่าเสียดายที่การอภิปรายระหว่างนักออกแบบกับศิลปินมักจะแย่ลงไปอีกในการพูดจาโผงผางและคำชมเชย มีการลากเส้น ธงรบถูกยกขึ้น และบทสนทนาที่สร้างสรรค์กลายเป็นสิ่งที่เป็นไปไม่ได้

นี่มันเกิดอะไรขึ้นกันแน่เนี่ย? เหตุใดศิลปะและการออกแบบจึงขัดแย้งกัน และเหตุใดนักออกแบบจึงยืนกรานว่าการออกแบบจะเป็นศิลปะไม่ได้ คำถามเหล่านี้เป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการสนทนาอย่างรอบคอบระหว่างนักออกแบบ Toptal Micah Bowers และ Miklos Philips

Bowers เป็นนักออกแบบแบรนด์และนักวาดภาพประกอบที่เชื่อว่าศิลปะครอบคลุมสาขาวิชาที่สร้างสรรค์มากมาย การออกแบบเป็นหนึ่งเดียว ดังนั้นการออกแบบจึงเป็นศิลปะ

Philips นักออกแบบ UX และหัวหน้าบรรณาธิการของ Toptal Design Blog รับตำแหน่งที่ศิลปะและการออกแบบอาจตัดกัน แต่ก็เป็นสาขาที่แตกต่างกันอย่างชัดเจน

เมื่อผู้เข้าแข่งขันอยู่ในสังเวียน ถึงเวลาที่การอภิปรายจะเริ่มขึ้น สุภาพบุรุษ สัมผัสถุงมือแล้วไปที่มุมของคุณ

เป็นศิลปะการออกแบบ?

มีคาห์: การออกแบบคือศิลปะ ศิลปะคือการออกแบบ ไม่มีข้อยกเว้น.

พูดให้ชัดเจน—ฉันรู้ดีว่าตำแหน่งของฉันไม่เป็นที่นิยม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่เพื่อนร่วมงานด้านการออกแบบของฉัน ฉันได้ไปพูดคุย อ่านหนังสือ พูดคุยกับเพื่อนร่วมงาน และเข้าเรียนในชั้นเรียนเพื่อสร้างความแตกต่างที่เข้ากันไม่ได้ระหว่างศิลปะและการออกแบบ เมื่อใดก็ตามที่ฉันแบ่งปันความคิดเห็น ฟันเฟืองจะเกิดขึ้นอย่างรวดเร็วและรุนแรง แต่ฉันยังคงไม่หวั่นไหวกับข้อโต้แย้ง (โชคดี Miklos)

การยืนกรานที่จะแยกแยะความแตกต่างระหว่างศิลปะและการออกแบบเป็นเหมือนไข้ต่ำๆ ที่คอยรบกวนฉันมาตลอด 15 ปีที่ผ่านมา โดยเริ่มจากการฝึกอบรมด้านการออกแบบเชิงอุตสาหกรรม ต่อมาในช่วงจบการศึกษาด้านวิจิตรศิลป์ และอาชีพด้านการสร้างแบรนด์ และภาพประกอบ

ตำแหน่งของฉันคือ: การออกแบบที่ยอดเยี่ยมเป็นอันดับแรกและสำคัญที่สุดในงานศิลปะ ความเชื่อนี้มีรากฐานมาจากอะไร? ความเข้าใจเชิงปรัชญาของศิลปะ

การแสวงหาคำจำกัดความของศิลปะนั้นมีการอภิปรายกันมานานหลายศตวรรษ เพลโต นักปรัชญาชาวกรีกเชื่อว่าศิลปะเป็นภาพสะท้อนของสิ่งที่เป็นจริง แต่ความคิดเห็นของเขาขัดแย้งกันอย่างกว้างขวาง และเนื่องจากเราต้องเริ่มต้นที่ไหนสักแห่ง เราจึงต้องตั้งเป้าหมายเพื่อความเข้าใจที่ยอมรับประวัติศาสตร์และความหลากหลายของความคิดและวัฒนธรรมทั่วโลก

การถอดความจากสารานุกรมปรัชญาสแตนฟอร์ดนำเรามาที่นี่:

ศิลปะมีอยู่และมีอยู่ในทุกวัฒนธรรมของมนุษย์ที่รู้จัก และประกอบด้วยวัตถุ การแสดง และประสบการณ์ที่ผู้สร้างโดยเจตนาให้มีความสนใจด้านสุนทรียภาพในระดับสูง

โดยอาศัยคำจำกัดความนี้ การออกแบบจึงเป็นศิลปะที่ปฏิเสธไม่ได้ สามารถพบได้ในทุกวัฒนธรรมของมนุษย์ ใช้เพื่อสร้างวัตถุ การแสดง และประสบการณ์ และนักออกแบบตั้งใจปลูกฝังความสนใจด้านสุนทรียภาพจำนวนมากในงานของพวกเขา

ที่นี่ได้ยินเสียงร้องที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ “เดี๋ยวก่อน! คุณได้เลิกทำตัวเองด้วยคำเดียว เกี่ยวกับความงาม!"

นักออกแบบชอบที่จะตั้งสมมติฐานกว้างๆ เกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ ดังนั้นให้ฉันสร้างการป้องกัน

เช่นเดียวกับศิลปะ แนวความคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์เป็นสาขาของความคิดเชิงปรัชญาที่ซับซ้อนและไม่สามารถย่อให้เล็กลงได้กับแนวคิดแบบเหมารวมของนักออกแบบที่หมายความว่า "ทำให้สิ่งต่างๆ ดูสวยงาม"

อันที่จริง สุนทรียศาสตร์ครอบคลุมคำถามมากมายที่จำเป็นสำหรับการอภิปรายเรื่อง "ศิลปะกับการออกแบบ":

• “เป็นไปได้ไหมที่จะตัดสินการตัดสินด้านสุนทรียะจากการปฏิบัติจริง?”
• “อะไรคือพื้นฐานในการตัดสินระหว่างอรรถประโยชน์และความงาม”
• และ "ความเชื่อพื้นฐานที่เราตัดสินด้านสุนทรียศาสตร์ได้รับอิทธิพลจากเวลา วัฒนธรรม และประสบการณ์ชีวิตอย่างไร"

นี่คือประเด็นของฉัน: ในโลกของการออกแบบร่วมสมัย ศิลปะได้รับการกำหนดอย่างแคบ ๆ และลดทอนความเป็นธรรมให้กลายเป็นภาพล้อเลียนสีน้ำที่น่าสมเพช นักออกแบบได้ขยายความสำคัญของสาขาวิชาของตนเองอย่างไม่เห็นแก่ตัว (ซึ่งแตกต่างกันไปตามเนื้อหาในระดับที่ตลกขบขัน) ตลอดหลายศตวรรษของการปฏิบัติทางศิลปะ การค้นคว้าเชิงปรัชญา และความเข้าใจในวัฒนธรรม การออกแบบคือศิลปะ ศิลปะคือการออกแบบ ไม่มีข้อยกเว้น.

Miklos: การออกแบบจำเป็นต้องเติมเต็มฟังก์ชัน ไม่ใช่ศิลปะ

ก่อนอื่น เราต้องแยก ประเภท การออกแบบที่เรากำลังพูดถึง ฉันสามารถเห็นได้ในกรณีของการออกแบบกราฟิก ภาพประกอบ และการสร้างแบรนด์ บางที การออกแบบอาจเป็น "ศิลปะ" บ้าง แต่ถ้าเรากำลังพูดถึงการออกแบบที่ใช้งานได้จริงมากขึ้น เช่น การออกแบบผลิตภัณฑ์ดิจิทัลหรือการออกแบบอุตสาหกรรม เราจำเป็นต้องเจาะลึกกว่านี้มาก และชัดเจน: การออกแบบไม่ใช่ "ศิลปะ"

การออกแบบที่ยอดเยี่ยมคือส่วนหนึ่งของวิทยาศาสตร์ กระบวนการส่วนหนึ่ง และส่วนหนึ่งของชุดวิธีแก้ปัญหาที่ใช้งานได้จริงพร้อมความสวยงามที่แทรกเข้ามา การก้าวข้ามพื้นผิว นักออกแบบค้นพบอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ว่าการออกแบบที่ยอดเยี่ยมเป็นมากกว่าการนำเสนอวิธีแก้ไขปัญหา

การออกแบบเป็นกระบวนการ ไม่ใช่งานศิลปะ

ในฐานะนักออกแบบ UX ฉันต้องเจาะลึกอยู่เสมอ นอกเหนือจากส่วนหน้าที่อาจเรียกว่า "การออกแบบ" ที่มีศักยภาพ และมองภาพรวมในภาพรวม: กลุ่มเป้าหมาย สถานการณ์การใช้งาน บริบท และอุปกรณ์ที่ออกแบบ มีไว้สำหรับ: ทีวีสู่มือถือ, จากเดสก์ท็อปสู่แท็บเล็ต, ไปยังตู้เอทีเอ็ม ฯลฯ และเมื่อพูดถึงการออกแบบผลิตภัณฑ์ อย่าลืมการตรวจสอบความถูกต้องและการทดสอบการใช้งาน ถ้าการออกแบบเป็น เพียง ศิลปะ คุณจะทดสอบได้อย่างไร?

ถ้าการออกแบบเป็นเรื่องเกี่ยวกับศิลปะล้วนๆ แล้วฮิวริสติกความสามารถในการใช้งานล่ะ? แนวคิดการใช้งาน UX เช่น คำติชม ความสอดคล้องและมาตรฐาน การป้องกันข้อผิดพลาด การควบคุมผู้ใช้ ความยืดหยุ่น และความสามารถในการคาดการณ์นอกหน้าต่างหรือไม่ ไม่มีการออกแบบเพื่อรองรับผู้คนหรือ หากคุณต้องการเป็นศิลปิน เป็นเช่นนั้น แต่อย่าเรียกตัวเองว่านักออกแบบ เป็นจิตรกรหรือประติมากร

Jonathan Ive กล่าวว่า “มีสิ่งที่สวยงามเกิดขึ้นได้และมันใช้งานได้จริง”

ส่วน "การทำงานอย่างสังหรณ์ใจ" เพียงอย่างเดียวไม่สามารถทำได้โดย "ศิลปะ"; ขับเคลื่อนโดยการวิจัยและทดสอบผู้ใช้ การออกแบบที่ดีนั้นขับเคลื่อนด้วยข้อมูลเช่นกัน ยิ่งไปกว่านั้น ในอนาคตอันใกล้นี้ AI จะเปลี่ยนวิธีการนำเสนอการออกแบบ มันจะเป็นส่วนตัวและคาดหวังมาก การออกแบบอย่าง “ศิลปะ” จะทำได้หรือไม่? ฉันไม่คิดอย่างนั้น

คุณไม่สามารถพูดได้ว่าการออกแบบ UI ของเครื่องจำหน่ายตั๋วคือ "ศิลปะ" แน่นอนว่าสุนทรียศาสตร์และการออกแบบอารมณ์เข้ามามีบทบาท เช่นเดียวกับบทความอื่น ๆ ใน Toptal Design Blog ที่กล่าวถึงก่อนหน้านี้ เพราะสุนทรียศาสตร์มีบทบาทในการออกแบบจนถึงขนาดที่การออกแบบที่มีสุนทรียภาพที่ดีขึ้นทำให้ผลิตภัณฑ์ดูเหมือน "ทำงานได้ดีขึ้น" แต่ยังคงต้องคำนึงถึงหน้าที่ของการออกแบบและบริบทการใช้งานด้วย

ตัวอย่างเช่น ในหนังสือของ Don Norman เรื่อง “The Design of Everyday Things” เขาพูดถึงการออกแบบและแนวคิดเรื่องราคา (แนวคิดเรื่องความสามารถในการจ่ายได้ถูกกำหนดโดยนักจิตวิทยาด้านการรับรู้ เจมส์ เจ. กิบสันในหนังสือแนวใหม่ของเขาเรื่อง The Ecological Approach to Visual Perception ) นอร์แมนเขียนว่า:

ค่าใช้จ่ายให้เบาะแสที่ชัดเจนต่อการดำเนินงานของสิ่งต่างๆ แผ่นมีไว้สำหรับดัน ลูกบิดสำหรับหมุน สล็อตสำหรับใส่ของเข้าไป ที่จับสำหรับยก ลูกบอลสำหรับขว้างหรือกระดอน เมื่อใช้จ่ายอย่างคุ้มค่า ผู้ใช้จะรู้ว่าต้องทำอะไรเพียงแค่มองดู ไม่ต้องใช้รูปภาพ ฉลาก หรือคำแนะนำใดๆ

ดังนั้น ค่าใช้จ่ายจึงเป็น "คุณสมบัติที่รับรู้" ของฟังก์ชันในการออกแบบ และจำเป็นต้องส่งสัญญาณไปยังผู้ใช้ด้วย "สัญลักษณ์" ซึ่งให้ข้อมูลแก่ผู้ใช้เกี่ยวกับการมีอยู่ของการโต้ตอบที่เป็นไปได้ ฉันไม่รู้ว่าเราจะแต่งงานกับแนวคิดเรื่องเงินและสัญลักษณ์กับ "ศิลปะ" ได้อย่างไร เป็นแนวคิดการออกแบบปฏิสัมพันธ์ที่สำคัญในขอบเขตของ HCI (ปฏิสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับคอมพิวเตอร์) พวกเขาไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับศิลปะ

ในฐานะนักออกแบบ UX ฉันปฏิเสธแนวคิดนี้ ฉันหมายถึง คุณลองนึกภาพเครื่องขายตั๋วอัตโนมัติที่ออกแบบโดย Picasso ในสไตล์ Cubist ได้ไหม ไม่ได้บอกว่ามันจะไม่น่าสนใจ แต่มันจะไม่ได้ผลหรือใช้งานไม่ได้มากนัก

การออกแบบที่ดีคืออะไร?

มีคาห์: ศิลปะแก้ปัญหาได้ “การออกแบบที่ดี” เป็นเพียงแนวทางหนึ่งในการแก้ปัญหา

เครื่องจำหน่ายตั๋วใน Cubism ของ Picasso? ตอน นี้ น่าจะเป็นการออกแบบที่ดี! ฉันสามารถจินตนาการถึงมือของศิลปินที่มีความสามารถซึ่งใช้ประโยชน์จากความไม่สอดคล้องกันของโวหารของ Cubism ให้เป็นลำดับชั้นของภาพที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน ซึ่งสร้างความพึงพอใจให้ผู้ใช้ด้วยจุดปฏิสัมพันธ์ที่ชัดเจน ในที่สุด เราสามารถโบกมือลาศาลเจ้าปุ่มที่สุภาพและสับสนซึ่งเราทุกคนคุ้นเคย

น่าสนใจ แนวคิดดังกล่าวไม่มีแบบอย่าง ในเมืองและเมืองต่างๆ ทั่วโลก งานศิลปะสาธารณะถูกนำมาใช้เพื่อปรับปรุงประสบการณ์ที่ก่อนหน้านี้มองข้ามหรือยุ่งเหยิงไปด้วยการออกแบบ เส้นทางแวนโก๊ะสร้างขึ้นโดยศิลปินชาวดัตช์ Daan Roosegaarde เป็นตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบ

โดยได้รับแรงบันดาลใจจาก Starry Night ของ Van Gogh เส้นทางนี้ไหลผ่าน Nuenen, NL (เมืองที่ศิลปินอาศัยอยู่ในยุค 1880) และประกอบด้วยหินสีเล็กๆ หลายพันชิ้นที่รวบรวมพลังงานจากดวงอาทิตย์ในตอนกลางวันและสว่างขึ้นในเวลากลางคืน

หากโครงการนี้ครอบคลุมทั้งหมด มันคงเป็นมากกว่าเอฟเฟกต์แสงที่สวยงามเพียงเล็กน้อย แต่ขอบเขตของวิสัยทัศน์ทางศิลปะของ Roosegaarde นั้นกว้างกว่ามาก เส้นทาง Van Gogh เป็นการพิสูจน์แนวคิดภายในโครงการขนาดใหญ่ที่เรียกว่า SMART HIGHWAY ซึ่งเป็นความพยายามอย่างทะเยอทะยานที่มุ่งสร้างภูมิทัศน์ของชาวดัตช์ขึ้นใหม่โดยใช้ระบบถนนที่เรืองแสงแบบโต้ตอบได้อย่างยั่งยืน

ซื้อกลับบ้าน? ศิลปะและศิลปินมีความสามารถในการแก้ปัญหามากมาย

การแก้ปัญหาต้องใช้ความรู้ ประสบการณ์ ทักษะ การวิจัย ความเสี่ยง และความเข้าใจในพฤติกรรมของมนุษย์ แต่น่าเสียดายที่นักออกแบบหลายคนไม่ยอมรับว่าศิลปินใช้วิธีการแก้ปัญหาในงานของตน แม้ว่าศิลปินจะค้นหาวิธีแก้ปัญหาอย่างสร้างสรรค์อย่างเป็นระบบมานานหลายศตวรรษ ก่อนที่ความแตกต่างของ “นักออกแบบ” จะเป็นแฟชั่น

ต้องการหลักฐาน?

อีกครั้ง เรามองไปที่ศิลปินชาวดัตช์ Johannes Vermeer ปรมาจารย์ด้านแสงและจิตรกรของ Girl with a Pearl Earring Vermeer อาศัยอยู่ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 17 ประสบความสำเร็จเพียงเล็กน้อยในฐานะจิตรกร และเสียชีวิตด้วยหนี้ท่วมหัว เกือบสองศตวรรษหลังจากการตายของเขา อย่างไรก็ตาม งานของ Vermeer ก็ถูกค้นพบอีกครั้ง และจุดยืนของเขาในฐานะหนึ่งในจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ตลอดกาลก็ถูกจารึกไว้ในพงศาวดารของประวัติศาสตร์ศิลปะ

แต่เรื่องแปลกก็เกิดขึ้น ยิ่งมีคนศึกษา Vermeer และงานของเขามากเท่าไร พวกเขาก็ยิ่งตระหนักว่าภาพวาดและกระบวนการของเขาไม่เหมือนกับภาพวาดของศิลปินคนอื่นๆ อย่างแท้จริง ได้อย่างไร?

• Vermeer ไม่มีการฝึกอบรมด้านศิลปะอย่างเป็นทางการและไม่ได้ผ่านการฝึกงานในฐานะจิตรกร
• ผลงานของเขาค่อนข้างเล็ก ประกอบด้วยภาพเขียนทั้งหมดไม่ถึง 50 ภาพ
• เขาไม่เคยมีลูกศิษย์หรือเด็กฝึกงานของเขาเอง
• ภาพวาดเกือบทั้งหมดของ Vermeer จัดแสดงอยู่ในห้องใดห้องหนึ่งจากสองห้องในบ้านของเขา
• ไม่มีภาพวาดหรือภาพร่างเตรียมการที่ยังหลงเหลือจากเวอร์เมียร์
• การเอกซเรย์ของภาพวาดของ Vermeer เผยให้เห็นว่าไม่มีการตัดทอนหรือการแก้ไของค์ประกอบ
• ภาพวาดของเขามีการจัดแสงและการบิดเบือนของเปอร์สเปคทีฟที่สามารถมองเห็นได้ผ่านเลนส์ที่มนุษย์สร้างขึ้นเท่านั้น
• และในที่สุด Vermeer ก็เป็นเพื่อนสนิทของ Antonie van Leeuwenhoek นักวิทยาศาสตร์ชาวดัตช์ที่เป็นที่รู้จักจากผลงานที่ล้ำหน้าในด้านการผลิตเลนส์และกล้องจุลทรรศน์

ทั้งหมดนี้หมายความว่าอย่างไร Vermeer น่าจะใช้กล้อง obscura ขั้นสูงและยังไม่เป็นที่รู้จักเพื่อสร้างผลงานชิ้นเอกของเขา นี่เป็นทฤษฎีที่ถกเถียงกัน แต่มีหลักฐานเพียงพอจากหลายแหล่งที่สนับสนุนข้ออ้างดังกล่าว

เกี่ยวข้องกับการอภิปรายของเราอย่างไร? Vermeer ได้คิดค้นเครื่องมือและกระบวนการที่ไม่มีใครตรวจพบและไม่ซ้ำกันมานานกว่า 350 ปี และอนุญาตให้เขาสร้างภาพเขียนที่โดดเด่นและวิจิตรงดงามที่สุดในโลกบางชิ้นโดยไม่ต้องผ่านการฝึกอบรมอย่างเป็นทางการใดๆ นั่นคือจุดสูงสุดของการแก้ปัญหา

การออกแบบเป็นรูปแบบศิลปะ ซึ่งเป็นวิธีการแสดงออกของมนุษย์ซึ่งเป็นไปตามระบบของขั้นตอนที่พัฒนาอย่างสูงเพื่อฝังวัตถุ การแสดง และประสบการณ์ที่มีนัยสำคัญ เช่นเดียวกับรูปแบบศิลปะทั้งหมด การออกแบบมีศักยภาพในการแก้ปัญหา แต่ไม่มีการรับประกันว่าจะแก้ปัญหาได้

เหนือสิ่งอื่นใด ฉันต้องการให้นักออกแบบตระหนักว่าศิลปะไม่ใช่วัฒนธรรมย่อยของการออกแบบที่ปฏิเสธการหมกมุ่นอยู่กับการวาดภาพด้วยนิ้วความรู้สึกของพวกเขา อันที่จริง มุมมองศิลปะที่ต่ำยังเป็นมุมมองที่ต่ำในด้านการออกแบบ วิทยาศาสตร์ ประวัติศาสตร์ และวัฒนธรรมที่จำกัดศักยภาพเชิงสร้างสรรค์และความก้าวหน้าของสหวิทยาการอย่างรุนแรง

สุดท้ายแล้ว ศิลปะก็แก้ปัญหาได้ “การออกแบบที่ดี” เป็นเพียงแนวทางหนึ่งในการแก้ปัญหา

Miklos: การออกแบบที่ดีนั้นเป็นกลางและมอบสิ่งที่ผู้คนต้องการ

สังเกตว่าฉันไม่ได้พูดว่า "สิ่งที่ผู้คนต้องการ" เหมือนกับเพลงของโรลลิงสโตนส์ที่พูดว่า: "คุณไม่สามารถได้สิ่งที่คุณต้องการเสมอไป ... คุณได้ในสิ่งที่คุณต้องการ" ผู้คนมักไม่รู้ว่าตัวเองต้องการอะไร มันขึ้นอยู่กับนักออกแบบที่จะรู้ว่าพวกเขาต้องการอะไร

อย่างไรก็ตาม ภาพวาดแก้ปัญหาอย่างไร? ฉันมองไม่เห็นสิ่งนั้น

การออกแบบที่ดีนั้นขึ้นอยู่กับระดับหนึ่ง แต่ในความคิดของฉัน “การออกแบบที่ดี” นั้นถูกค้นพบไปพร้อมกันในกระบวนการออกแบบซ้ำๆ ที่มีการตรวจสอบ/การทดสอบจำนวนมาก มันคือ “การคิดเชิงออกแบบ” มันมีมาหลายสิบปีแล้ว มันเป็นสิ่งที่ใช้ได้ผล ที่ซึ่งสิ่งต่างๆ มารวมกันอย่างถูกวิธี ถูกเวลา ในเวลาที่เหมาะสม

การออกแบบที่ดี ไม่ได้ เกี่ยวกับศิลปะหรือสุนทรียศาสตร์เพียงอย่างเดียว นั่นเป็นเพียงพื้นผิว การออกแบบที่ดีควรพิจารณาจากปัจจัยหลายประการ เช่น ฐานผู้ใช้ที่ตั้งใจไว้ สภาพแวดล้อม บริบทการใช้งาน สื่อ และอุปกรณ์ที่จะปรากฏ ตัวอย่างเช่น ในกรณีของเครื่องจำหน่ายตั๋ว ความสวยงามอาจไม่มีความสำคัญมากนัก—ผู้คนจำเป็นต้องทำสิ่งต่างๆ ให้เสร็จและสิ่งต่างๆ เพียงแค่ต้องทำงานให้พวกเขา จะต้องมีการทำงานที่ยอดเยี่ยม รวดเร็ว และมีประสิทธิภาพ

การออกแบบที่ดีในใจของฉันคือการออกแบบที่สมดุลระหว่างความสวยงามและการออกแบบการโต้ตอบ ในการใช้ตัวอย่างเครื่องจำหน่ายตั๋ว ในสถานการณ์นั้น "รูปลักษณ์" มีความสำคัญน้อยกว่าและควรคำนึงถึงส่วนที่เหมาะสมในแง่ของความสำคัญในระดับสมดุล และการออกแบบการใช้งานและการโต้ตอบ (การออกแบบฟังก์ชัน) ควรมีขนาดใหญ่ขึ้น สัดส่วน.

นอกจากนี้เรายังสามารถเปรียบเทียบระหว่าง "การออกแบบที่ดี" กับ "การออกแบบที่ไม่ดี" การออกแบบที่ไม่ดีคือนรก มันเป็นความผิดปกติ มันอาจจะน่าหงุดหงิดหรือน่ารำคาญ มันทำให้คนช้าลงและระบายอารมณ์ จริงๆ แล้วมันอาจจะดูน่าเกลียด หรือแค่ไม่ธรรมดา ดังนั้นจึงไม่คู่ควรกับความสนใจของใครเลย สำหรับผู้ชมของคุณ การออกแบบที่ไม่ดีเป็นอุปสรรคแทนที่จะเป็นการเสริมอำนาจ

การออกแบบเป็นแบบอัตนัยหรือวัตถุประสงค์?

Miklos: เป็นส่วนผสมของทั้งสองอย่างในสัดส่วนที่แตกต่างกัน

ศิลปะและการออกแบบผสมผสานกันอย่างแยกไม่ออก ฉันถือว่าการออกแบบเป็นความพยายามแบบองค์รวมซึ่ง รวมถึง "ศิลปะ" การออกแบบเป็นทั้งอัตนัย และ วัตถุประสงค์ แต่ควรมี วัตถุประสงค์หลัก ความเที่ยงธรรมของการออกแบบที่เหมาะสมเกิดขึ้นได้จากการวิจัยผู้ใช้ (การกำหนดฐานผู้ใช้เป้าหมาย ทำความรู้จักผู้ใช้ผลิตภัณฑ์ การสังเกตบริบทการใช้งาน) การทำงานผ่านขั้นตอนสำคัญของกระบวนการออกแบบที่เน้นผู้ใช้เป็นศูนย์กลาง (UCD) และการทดสอบผู้ใช้

การออกแบบสามารถเกิดขึ้นได้จากจิตใจของนักออกแบบที่ยอดเยี่ยม แต่การใช้งานจริงยังคงต้องได้รับการตรวจสอบ ถ้าการออกแบบเป็นเพียงอัตนัย ก็ไม่มีความจำเป็นสำหรับการทดสอบการใช้งาน การออกแบบจะมาจากคนๆ เดียว ซึ่งสำหรับผม เป็นแนวคิดที่ไร้สาระและล้าหลัง นักออกแบบที่มีความเป็นอัตวิสัย 100% นั้นหยิ่งผยอง

อย่างไรก็ตาม มีความเป็นส่วนตัวเพียงเล็กน้อยเข้ามา มี บทบาท สุนทรียศาสตร์มีบทบาท และนี่อาจเป็นจุดเริ่มต้นของการออกแบบทางอารมณ์ นี่คือขั้นตอนที่ความรู้สึกของนักออกแบบ "ศิลปะ" และอัตวิสัยถูกนำมาอยู่ในระดับแนวหน้า นักออกแบบที่ยอดเยี่ยม “แต่งตัว” หรือ “วางส่วนหน้า” ในการออกแบบเชิงฟังก์ชันพื้นฐาน เพื่อสร้างสิ่งที่ใช้ได้กับทุกระดับอารมณ์ ไม่ว่าจะเป็นอวัยวะภายใน พฤติกรรม และการไตร่ตรอง เพื่อส่งมอบผลิตภัณฑ์ที่มี UX ที่น่าทึ่ง

นักออกแบบบางคนเชื่อว่าการออกแบบที่ดี ต้อง มีวัตถุประสงค์ ฉันไม่เชื่ออย่างนั้น มีความอัจฉริยะในการออกแบบของ Starck หรือ Jonathan Ive พวกเขานำความเป็นอัตวิสัยมาสู่การออกแบบซึ่งเกี่ยวข้องกับรสนิยม การดูถูกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างหนึ่งของสตีฟจ็อบส์คือการกล่าวหาใครบางคนที่ไม่มีรสนิยม

มีคาห์: ศิลปะและสาขาวิชาทั้งหมด (รวมการออกแบบ) ผสมผสานความเที่ยงธรรมและความเป็นอัตวิสัย

ฉันไม่แน่ใจว่ามันเกิดขึ้นได้อย่างไร มิโคลส แต่ดูเหมือนว่าเราพบจุดร่วมบางอย่างแล้ว และฉันก็แปลกใจมาก

ศิลปะและสาขาวิชาทั้งหมด รวมถึงการออกแบบ จำเป็นต้องมีการผสมผสานระหว่างความเป็นกลางและความเป็นอัตวิสัย แน่นอน จะมีนักออกแบบที่กลอกตาและประกาศว่า “ศิลปะเป็นเรื่องส่วนตัวล้วนๆ มันอาจหมายถึงสิ่งที่แตกต่างกันสำหรับคนที่แตกต่างกัน” ความแตกต่างที่ชัดเจน? “เหมือนกันกับการออกแบบ!”

แต่ลองมาดูใกล้ ๆ

เมื่อนักออกแบบยืนยันว่าศิลปะต้องเป็นอัตวิสัย พวกเขามักจะหมายถึงวิธีที่ผู้คนตัดสิน ผลลัพธ์ ของความพยายามของศิลปิน ลักษณะการคิดเกี่ยวกับศิลปะนี้เน้นที่ผลลัพธ์อย่างสูงสุด กล่าวอีกนัยหนึ่ง ศิลปะเท่ากับวัตถุ การแสดง และประสบการณ์ ศิลปะคือภาพวาด ศิลปะคือการเต้น ศิลปะคือการแสดงแสงสี

มองอย่างนี้ ศิลปะ เป็น เรื่องของอัตนัย ฉันคิดว่า American Gothic นั้นน่าขนลุก แต่คุณคิดว่ามันสร้างแรงบันดาลใจ ฉันคิดว่าเก้าอี้ Eames นั้นดูดีมีระดับ แต่คุณรู้สึกว่ามันไร้ค่า ฉันคิดว่าอินเทอร์เฟซของ WhatsApp นั้นดูสับสน แต่คุณไม่เคยเห็นอะไรที่หรูหรากว่านี้มาก่อน ศิลปะคือผลลัพธ์ ผลลัพธ์เปิดกว้างสำหรับการตีความ และทุกคนมีสิทธิ์!

โชคดีที่คำจำกัดความของศิลปะที่ฉันเสนอในช่วงเริ่มต้นของการอภิปรายนี้มีความเหมาะสมยิ่งขึ้น ดังนั้นเรามาทบทวนความทรงจำของเรากัน:

ศิลปะมีอยู่และมีอยู่ในทุกวัฒนธรรมของมนุษย์ที่รู้จัก และประกอบด้วยวัตถุ การแสดง และประสบการณ์ที่ผู้สร้างโดยเจตนาให้มีความสนใจด้านสุนทรียภาพในระดับสูง

สังเกตคำที่เป็นตัวหนา ศิลปิน "ตั้งใจมอบ" งานของตนอย่างมีความหมายในระดับสูง กล่าวอีกนัยหนึ่งพวกเขาเพิ่มพูนอย่างมีสติหรือเพิ่มคุณค่าอย่างมีจุดมุ่งหมาย มีเจตนาแต่งงานกับการกระทำ

เข้าใจมากขึ้น ศิลปะไม่ใช่ผลลัพธ์ ศิลปะเป็นกระบวนการ และกระบวนการของศิลปะเต็มไปด้วยความเที่ยงธรรม

ไม่เห็นด้วย? พิจารณาแนวทางปฏิบัติที่ทำซ้ำได้หลายศตวรรษ เครื่องมือที่ได้มาตรฐาน ปฏิกิริยาเคมี และการค้นพบทางวิทยาศาสตร์ที่เกิดจากศิลปะ ในขอบเขตที่สามารถมีความเป็นจริงได้โดยไม่ขึ้นกับจิตใจ (คำจำกัดความของความเที่ยงธรรม) ศิลปะนั้นมีวัตถุประสงค์เพราะมันขึ้นอยู่กับกระบวนการ

หากศิลปินเซรามิกจุดไฟเผาจานโดยไม่ปล่อยให้แห้งก่อน จานจะระเบิด

หากนักเปียโนวางนิ้วบนคีย์ที่ถูกต้อง เธอจะเล่นคอร์ดที่ต้องการ

หากนักออกแบบเว็บไซต์เลือก Dingbats สำหรับข้อความเนื้อหา เว็บไซต์ของลูกค้าส่วนใหญ่จะอ่านไม่ออก

สิ่งสำคัญที่สุด Miklos คือฉันเห็นด้วยกับคุณเป็นส่วนใหญ่ ศิลปะและด้วยเหตุนี้การออกแบบจึงเป็นถุงผสมของความเที่ยงธรรมและอัตวิสัยที่โรยด้วยความกำกวมเพียงพอที่จะทำให้การถกเถียงเรื่องศิลปะกับการออกแบบยังคงดำเนินต่อไปอีกหลายปีต่อ ๆ ไป

บทสรุป

ไม่ชัดเจนเลยสักนิดว่าคำเหล่านี้—'ศิลปะคืออะไร'—แสดงอะไรก็ได้เช่นคำถามเดียว ซึ่งให้คำตอบที่แข่งขันกัน หรือนักปรัชญาที่เสนอคำตอบมีส่วนร่วมในการอภิปรายเดียวกันหรือไม่... คำจำกัดความที่เสนอที่หลากหลาย ควรให้เราหยุด – เคนดัลล์ วอลตัน

ในระดับพื้นฐานที่สุด ทั้งศิลปะและการออกแบบต่างพยายามสื่อสารอะไรบางอย่าง และไม่ว่าจะมีความแตกต่างกันอย่างไร หรือไม่ว่าจะจัดเป็นศิลปะวิจิตรศิลป์ เชิงพาณิชย์ หรือศิลปะประยุกต์ อย่างดีที่สุด ทั้งสองรูปแบบจะกระตุ้นการตอบสนองทางอารมณ์

มีการถกเถียงกันว่าความแตกต่างระหว่างวิจิตรศิลป์และศิลปะประยุกต์เป็น บริบท และเกี่ยวข้องกับการตัดสินคุณค่าที่กระทำเกี่ยวกับงานมากกว่าความแตกต่างที่ไม่อาจโต้แย้งได้ระหว่างสองสาขาวิชา ยิ่งไปกว่านั้น การเปรียบเทียบ "ศิลปะ" กับ "การออกแบบ" แม้ว่าจะเป็นความพยายามอันสูงส่ง บางทีอาจเป็นเรื่องแปลก เนื่องจากไม่สามารถกำหนดได้อย่างแน่นอนเนื่องจากมีการเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา ขอบเขตถูกผลักดันอย่างต่อเนื่องและหวังว่าจะเป็นเช่นนั้นต่อไปในอนาคต การอภิปรายครั้งนี้ เป็น อมตะ

เราจะตัดสินได้อย่างไรว่าศิลปะคืออะไรและการออกแบบคืออะไร และเหตุใดความสัมพันธ์ระหว่างทั้งสองจึงแตกหัก ความแตกต่างระหว่างสิ่งที่ใช้งานได้ (การออกแบบ) และสิ่งที่ไม่ทำงาน (ศิลปะ) ที่สร้างความขัดแย้งคืออะไร? โต๊ะกาแฟ Noguchi หรือเก้าอี้ Rennie Mackintosh เป็นเพียงวัตถุที่ใช้งานได้จริงหรือเป็นงานศิลปะที่มีฟังก์ชั่น?

สถาปนิก ศิลปิน และนักออกแบบชาวกลาสโกว์ Charles Rennie Mackintosh เป็นหนึ่งในผู้สนับสนุนกลุ่มแรกๆ ของสถาปัตยกรรมศิลปะแบบบูรณาการ เขาเชื่อในการผสมผสานอย่างลงตัวของรูปแบบและการใช้งาน และแสวงหาตลอดอาชีพการงานของเขาเพื่อนำทฤษฎีของ "ห้องที่เป็นงานศิลปะ" มาใช้

Frank Lloyd Wright เชื่ออย่างแรงกล้าในความสามัคคีของรูปแบบและการทำงานที่เขาเปลี่ยนสัจพจน์ที่มักเข้าใจผิดว่า "รูปแบบตามหน้าที่" ซึ่งประกาศเกียรติคุณโดย Louis Sullivan ที่ปรึกษาของเขาให้อ่านว่า "รูปแบบและหน้าที่เป็นหนึ่งเดียว" แผนการของเขาสำหรับ Guggenheim “…คือการทำให้อาคารและภาพวาดเป็นซิมโฟนีที่สวยงามอย่างที่ไม่เคยมีอยู่ในโลกแห่งศิลปะมาก่อน”

สรุปได้ว่าไม่ใช่ศิลปะ กับ การออกแบบ แต่เป็นความสามัคคีของทั้งสองที่เป็นแกนหลักของการออกแบบที่เหนือกว่า กล่าวอีกนัยหนึ่ง การออกแบบที่ดีผสมผสานศิลปะเข้าด้วยกัน

• • •

อ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับบล็อก Toptal Design:

• eCommerce UX – ภาพรวมของแนวทางปฏิบัติที่ดีที่สุด (พร้อมอินโฟกราฟิก)
• ความสำคัญของการออกแบบที่เน้นมนุษย์เป็นศูนย์กลางในการออกแบบผลิตภัณฑ์
• ผลงานออกแบบ UX ที่ดีที่สุด – กรณีศึกษาและตัวอย่างที่สร้างแรงบันดาลใจ
• หลักการฮิวริสติกสำหรับอินเทอร์เฟซมือถือ
• การออกแบบที่คาดหวัง: วิธีสร้างประสบการณ์ผู้ใช้ที่มีมนต์ขลัง