Arte vs Design – Um Debate Atemporal

Passe qualquer quantidade de tempo trabalhando entre designers profissionais e você aprenderá que igualar arte com design é uma maneira infalível de agitar o pote e ouvir declarações ousadas como:

• “Design não é arte. O design tem que funcionar.”
• “A arte é para provocar pensamentos e emoções, mas não resolve problemas.”
• “Os artistas trabalham principalmente por instinto, enquanto os designers empregam um processo metódico e orientado por dados.”

Infelizmente, a discussão entre designer e artista muitas vezes se deteriora em devaneios e delírios. Linhas são traçadas, bandeiras de batalha são levantadas e o diálogo produtivo se torna impossível.

O que realmente está acontecendo aqui? Por que arte e design foram colocados um contra o outro, e por que os designers são tão inflexíveis que o design não pode ser arte? Essas perguntas são o ponto de partida para uma conversa criteriosa entre os designers da Toptal, Micah Bowers e Miklos Philips.

Bowers é um designer de marca e ilustrador que acredita que a arte engloba muitas disciplinas criativas, sendo o design uma delas e, portanto, o design é arte.

A Philips, designer de UX e editora-chefe do Toptal Design Blog, assume a posição de que arte e design podem se cruzar, mas são campos distintamente diferentes.

Com nossos competidores no ringue, é hora do debate começar. Cavalheiros, toquem nas luvas e vão para os seus cantos.

Design é arte?

Micah: Design é arte. Arte é projeto. Sem exceções.

Vamos ser claros – estou ciente de quão impopular é minha posição, especialmente entre meus colegas de design. Já fui a palestras, li livros, conversei com colegas e fiz aulas determinados a estabelecer as diferenças irreconciliáveis ​​entre arte e design. Sempre que compartilho minhas opiniões, a reação vem rápida e feroz, mas permaneço impassível aos contra-argumentos (boa sorte, Miklos).

A insistência na distinção entre arte e design tem sido como uma febre constante e de baixo grau que me incomoda nos últimos 15 anos - primeiro através do meu treinamento em design industrial, depois durante a pós-graduação em artes plásticas e na minha carreira em branding e ilustração.

Minha posição é esta: um ótimo design é, antes de tudo, arte. Em que se baseia essa crença? Uma compreensão filosófica da arte.

A busca por definir arte está mergulhada em séculos de debate. O filósofo grego Platão acreditava que a arte é essencialmente um reflexo de um reflexo do que é real. Mas seus pontos de vista são amplamente contestados e, como temos que começar de algum lugar, devemos buscar um entendimento que reconheça a história e a diversidade do pensamento e da cultura globais.

Parafraseando a Enciclopédia de Filosofia de Stanford nos leva aqui:

A arte existe e existiu em todas as culturas humanas conhecidas e consiste em objetos, performances e experiências que são intencionalmente dotadas por seus criadores com um alto grau de interesse estético.

Em virtude dessa definição, o design é inegavelmente arte. Pode ser encontrado em todas as culturas humanas. Ele é usado para criar objetos, performances e experiências. E, designers intencionalmente instilam quantidades significativas de interesse estético em seu trabalho.

Aqui, ouve-se o grito inevitável: “Espere! Você se desfez com uma única palavra. Estético!"

Os designers adoram fazer suposições abrangentes em relação à estética, então permita-me construir uma salvaguarda.

Assim como a arte, o conceito de estética é um campo complicado do pensamento filosófico e não pode ser reduzido ao estereótipo do designer de que significa “fazer as coisas parecerem bonitas”.

De fato, a estética cobre muitas questões que são essenciais para o debate “arte versus design”:

• “É possível determinar um julgamento estético de um prático?”
• “Qual é a base pela qual julgamos entre utilidade e beleza?”
• E, “Como as crenças fundamentais pelas quais fazemos julgamentos estéticos são influenciadas pelo tempo, cultura e experiência de vida?”

Aqui está o meu ponto: no mundo do design contemporâneo, a arte foi definida de forma restrita e injustamente diminuída em uma caricatura patética em aquarela. Designers têm inflado irreverentemente o significado de suas próprias disciplinas (que variam em substância a um grau cômico) ao longo de séculos de prática artística, investigação filosófica e compreensão cultural. Design é arte. Arte é projeto. Sem exceções.

Miklos: O design precisa cumprir uma função. Não arte.

Antes de tudo, temos que separar de que tipo de design estamos falando. Eu posso ver no caso de design gráfico, ilustração e branding que talvez o design seja um pouco “arte”, mas se estamos falando de design mais funcional – como design de produto digital ou design industrial – precisamos ir muito mais fundo, e fica claro: Design não é “arte”.

Um ótimo design é parte ciência, parte processo e parte um conjunto prático de soluções com uma pitada de estética. Indo além da superfície, um designer inevitavelmente descobre que um ótimo design é mais sobre fornecer soluções para problemas.

Design é um processo, não arte.

Como designer de UX, sempre preciso ir mais fundo, além da fachada que se pode chamar de “design” potencial e olhar para o quadro geral de forma holística: o público-alvo, os cenários de caso de uso, o contexto e o dispositivo em que o design é destinado a: TV para celular, desktops para tablets, caixas eletrônicos, etc. E quando se trata de design de produto, não podemos esquecer de validação e testes de usabilidade. Se o design fosse apenas arte, como você poderia testá-lo?

Se o design fosse puramente sobre arte, o que dizer da heurística de usabilidade? Esses conceitos de usabilidade de UX como feedback, consistência e padrões, prevenção de erros, controle do usuário, flexibilidade e previsibilidade estão fora da janela? O design não existe para servir as pessoas? Se você quer ser um artista, seja isso, mas não se chame de designer. Seja um pintor ou um escultor.

“Há beleza quando algo funciona e funciona intuitivamente”, diz Jonathan Ive.

A parte de “trabalhar intuitivamente” sozinha não pode ser alcançada pela “arte”; é impulsionado por pesquisas e testes de usuários. Um bom design também é orientado a dados. Além disso, em um futuro próximo, a IA transformará a forma como o design é entregue. Será super personalizado e antecipatório. O design como “arte” será capaz de fazer isso? Acho que não.

Você não pode dizer que projetar uma interface de usuário de máquina de venda automática de ingressos é “arte”. Certamente, a estética e o design emocional entram em jogo – como outros artigos no Toptal Design Blog mencionaram antes – porque a estética desempenha um papel no design na medida em que designs com melhor estética fazem um produto parecer “funcionar melhor”. Mas ainda assim, a função do design e o contexto de uso precisam ser levados em consideração.

Por exemplo, no livro seminal de Don Norman “The Design of Everyday Things”, ele fala sobre design e o conceito de affordances. (O conceito de affordance foi cunhado pelo psicólogo perceptivo James J. Gibson em seu livro inovador The Ecological Approach to Visual Perception .) Norman escreve:

Affordances fornecem pistas fortes para as operações das coisas. As placas são para empurrar. Os botões são para girar. Slots são para inserir coisas. As alças são para levantamento. Bolas são para arremessar ou quicar. Quando as affordances são aproveitadas, o usuário sabe o que fazer apenas olhando: nenhuma imagem, etiqueta ou instrução necessária.

Assim, affordances são “propriedades percebidas” de uma função em design, e elas precisam ser sinalizadas ao usuário com “significantes”, que fornecem pistas para o usuário da existência de uma possível interação. Eu não sei como alguém iria casar os conceitos de affordances e significantes com “arte”. Eles são conceitos essenciais de design de interação no domínio da HCI (interação humano-computador). Eles não têm nada a ver com arte.

Como designer de UX, rejeito a noção. Quero dizer, você pode imaginar uma máquina de venda de ingressos projetada no estilo cubista por Picasso? Não estou dizendo que não seria interessante, mas não seria muito eficaz ou funcional.

O que é um bom design?

Micah: A arte resolve problemas. “Bom design” é simplesmente um caminho para uma solução.

Uma máquina de venda automática de bilhetes no cubismo de Picasso? Isso seria um bom design! Posso imaginar as mãos de um artista capaz alavancando a dissonância estilística do cubismo em uma hierarquia visual claramente definida que encanta os usuários com pontos de interação inequívocos. Finalmente, poderíamos dar adeus aos santuários de botões sem graça e confusos aos quais todos nos acostumamos.

Curiosamente, tal ideia não é sem precedentes. Em vilas e cidades ao redor do mundo, instalações de arte pública têm sido usadas para melhorar experiências anteriormente negligenciadas ou confusas pelo design. O Caminho Van Gogh, criado pelo artista holandês Daan Roosegaarde, é um exemplo perfeito.

Inspirado na Noite Estrelada de Van Gogh, o caminho atravessa Nuenen, NL (uma cidade onde o artista viveu na década de 1880) e é composto por milhares de pequenas rochas pintadas que captam a energia do sol durante o dia e iluminam à noite.

Se este fosse todo o projeto englobado, seria pouco mais que um belo efeito de iluminação, mas o escopo da visão artística de Roosegaarde é muito mais amplo. Van Gogh Path é uma prova de conceito dentro de um projeto maior chamado SMART HIGHWAY, um esforço ambicioso que visa reinventar a paisagem holandesa através da implementação de um sistema sustentável de estradas brilhantes e interativas.

O take away? A arte e os artistas têm a capacidade de resolver problemas substanciais.

A resolução de problemas requer conhecimento, experiência, habilidade, pesquisa, risco e compreensão do comportamento humano, mas, infelizmente, muitos designers não reconhecem que os artistas empregam a metodologia de resolução de problemas em seu trabalho – mesmo que os artistas busquem sistematicamente soluções criativas por séculos. , muito antes da distinção de “designer” estar na moda.

Precisa de provas?

Mais uma vez, olhamos para um artista holandês, o mestre da luz e pintor da Moça do Brinco de Pérola , Johannes Vermeer. Vermeer viveu em meados do século XVII, experimentou um sucesso modesto como pintor e morreu sob uma montanha de dívidas. Quase dois séculos após sua morte, no entanto, o trabalho de Vermeer foi redescoberto, e sua posição como um dos maiores pintores de todos os tempos foi cimentada nos anais da história da arte.

Mas aconteceu uma coisa estranha. Quanto mais as pessoas estudavam Vermeer e seu trabalho, mais percebiam que suas pinturas e processos eram verdadeiramente diferentes dos de qualquer outro artista. Como assim?

• Vermeer não teve treinamento artístico formal e aparentemente não passou por um aprendizado como pintor.
• Seu corpo de trabalho é bastante pequeno, consistindo em menos de 50 pinturas totais.
• Ele nunca teve alunos ou aprendizes próprios.
• Quase todas as pinturas de Vermeer foram encenadas em uma das duas salas de sua casa.
• Não há desenhos ou esboços preparatórios sobreviventes atribuídos a Vermeer.
• As radiografias das pinturas de Vermeer não revelam subdesenhos ou correções de composição.
• Suas pinturas contêm distorções de iluminação e perspectiva que só podem ser vistas através de lentes artificiais.
• E, finalmente, Vermeer era amigo íntimo de Antonie van Leeuwenhoek, um cientista holandês conhecido por seu trabalho pioneiro nas áreas de fabricação de lentes e microscopia.

O que tudo isso significa? Vermeer provavelmente usou uma forma avançada e ainda desconhecida de câmera escura para criar suas obras-primas. Esta é uma teoria controversa, mas há ampla evidência de várias fontes para apoiar tal afirmação.

Como isso é relevante para o nosso debate? Vermeer inventou um aparato e processo que não foi detectado e duplicado por mais de 350 anos e permitiu que ele criasse algumas das pinturas mais icônicas e tecnicamente requintadas do mundo sem nenhum treinamento formal. Esse é o ápice da resolução de problemas.

O design é uma forma de arte, um método de expressão humana que segue um sistema de procedimentos altamente desenvolvidos para dar significado a objetos, performances e experiências. Como todas as formas de arte, o design tem o potencial de resolver problemas, mas não há garantia de que o fará.

Mais do que tudo, quero que os designers percebam que a arte não é uma subcultura estúpida de rejeitados pelo design preocupados em pintar seus sentimentos com os dedos. Na verdade, uma visão baixa da arte é também uma visão baixa do design, da ciência, da história e da cultura que limita severamente o potencial criativo e o progresso interdisciplinar.

Afinal, a arte resolve problemas. “Bom design” é simplesmente um caminho para uma solução.

Miklos: Um bom design é imparcial e oferece o que as pessoas precisam.

Observe que eu não disse “o que as pessoas querem” como a música dos Rolling Stones que diz: “Você nem sempre consegue o que quer... As pessoas nem sempre sabem o que querem, cabe aos designers descobrir exatamente o que precisam.

A propósito, como as pinturas estão resolvendo problemas? Eu não consigo ver isso.

Um bom design é subjetivo até certo ponto, mas, na minha opinião, o “bom design” é descoberto ao longo do caminho em um processo de design iterativo com muita validação/teste. É “pensamento de design”. Já existe há décadas. É algo que simplesmente funciona, onde as coisas se encaixam da maneira certa, na hora certa, no momento certo.

Um bom design definitivamente não é apenas arte ou estética. Isso é apenas a superfície. Um bom design deve ser julgado por vários fatores, como a base de usuários pretendida, o ambiente, o contexto de uso, a mídia e o dispositivo em que deve aparecer. Por exemplo, no caso de uma máquina de venda automática de ingressos, a estética pode não importar tanto – as pessoas precisam fazer as coisas e as coisas só precisam funcionar para elas. Ele precisa ser super funcional, rápido e eficiente.

O bom design, na minha opinião, é um design que é equilibrado da maneira certa entre estética e design de interação. Para continuar usando o exemplo de uma máquina de venda automática de ingressos, nesse cenário, o “look” é menos importante e deve ter a parcela adequada em termos de importância na escala de balanceamento, e usabilidade e design de interação (design funcional) devem levar a maior proporção.

Também poderíamos contrastar “bom design” versus “mau design”. O design ruim é um pandemônio. É desordem. Pode ser frustrante ou irritante. Isso atrasa as pessoas e as esgota emocionalmente. Pode realmente ser feio, ou simplesmente normal e, portanto, não digno da atenção de ninguém. Para o seu público, um design ruim é um impedimento em vez de um empoderamento.

O design é subjetivo ou objetivo?

Miklos: É uma mistura de ambos em proporções variadas.

Arte e design são inextricavelmente combinados. Considero o design como um esforço holístico que inclui “arte”. O design é tanto subjetivo quanto objetivo, mas deve ser principalmente objetivo . A objetividade adequada do design é alcançada pela pesquisa do usuário (definindo a base de usuários-alvo, conhecendo os usuários do produto, observando o contexto de uso), trabalhando nas etapas essenciais de um processo de design centrado no usuário (UCD) e testes de usuário.

Um design pode surgir da mente de um designer brilhante, mas seu uso prático ainda precisa ser validado. Se o design fosse apenas subjetivo, não haveria necessidade de testes de usabilidade (o que provavelmente incomodaria o designer porque ele descobriria que o design não funciona). O design viria de uma pessoa, o que, para mim, é uma ideia ridícula e retrógrada. Designers que são 100% subjetivos são arrogantes.

No entanto , uma pequena porcentagem de subjetividade entra em jogo – a estética desempenha um papel, e talvez seja aí que o design emocional acontece. Este é o passo em que a sensibilidade, a “arte” e a subjetividade do designer são trazidas à tona. Grandes designers “vestem-se” ou “colocam uma fachada” no design funcional subjacente para criar algo que funcione em todos os níveis emocionais – visceral, comportamental e reflexivo – para entregar um produto com incrível UX.

Alguns designers acreditam que um bom design deve ser objetivo. Eu não acredito nisso. Há um toque de gênio nos projetos de Starck ou Jonathan Ive. Eles trazem uma pitada de subjetividade para seus projetos que tem a ver com gosto. Um dos maiores insultos de Steve Jobs foi acusar alguém de não ter bom gosto.

Micah: A arte e todas as suas disciplinas (incluindo o design) combinam objetividade e subjetividade.

Não tenho certeza de como isso aconteceu, Miklos, mas parece que encontramos algum tipo de terreno comum, e estou agradavelmente surpreso.

A arte e todas as suas disciplinas, incluindo o design, exigem uma mistura de objetividade e subjetividade. Claro, haverá designers que revirarão os olhos e declararão: “A arte é puramente subjetiva. Pode significar coisas diferentes para pessoas diferentes.” O contraponto óbvio? “O mesmo com design!”

Mas vamos olhar mais de perto.

Quando os designers afirmam que a arte deve ser subjetiva, eles normalmente estão se referindo à maneira como as pessoas julgam o resultado dos esforços de um artista. Essa maneira de pensar a arte coloca uma ênfase suprema nos resultados. Em outras palavras, arte é igual a objetos, performances e experiências. A arte é uma pintura. A arte é uma dança. A arte é um show de luzes.

Vista dessa forma, a arte é subjetiva. Acho o gótico americano assustador, mas você o acha inspirador. Eu acho que uma cadeira Eames é elegante, mas você sente que é kitsch. Acho a interface do WhatsApp confusa, mas você nunca viu nada mais elegante. A arte é um resultado, os resultados estão abertos a interpretações, e todos têm razão!

Felizmente, a definição de arte que propus no início deste debate é mais sutil, então vamos refrescar nossas memórias:

A arte existe e existiu em todas as culturas humanas conhecidas e consiste em objetos, performances e experiências que são intencionalmente dotadas por seus criadores com um alto grau de interesse estético.

Observe as palavras em negrito. Os artistas “intencionalmente dotam” seu trabalho de significado em alto grau. Em outras palavras, eles conscientemente aumentam ou enriquecem propositalmente. Há intenção casada com ação.

Compreendida de forma mais completa, a arte não é um resultado. A arte é um processo, e o processo da arte está transbordando de objetividade.

Não concorda? Considere os séculos de práticas repetíveis, ferramentas padronizadas, reações químicas e descobertas científicas devido à arte. Na medida em que pode haver realidades independentes da mente (a definição de objetividade), a arte é objetiva porque depende do processo.

Se um ceramista atear fogo em um prato sem antes deixá-lo secar, ele explodirá.

Se um pianista colocar os dedos nas teclas corretas, ele tocará o acorde pretendido.

Se um web designer selecionar Dingbats para o corpo do texto, grandes partes do site de seu cliente ficarão ilegíveis.

A grande vantagem, Miklos, é que eu concordo com você. A arte e, portanto, o design, é uma mistura de objetividade e subjetividade polvilhada com ambiguidade suficiente para manter esse debate Arte vs. Design continuando nos próximos anos.

Conclusão

Não está nada claro que essas palavras – 'O que é arte?' – expressem algo como uma única pergunta, à qual são dadas respostas concorrentes, ou se os filósofos que propõem respostas estão engajados no mesmo debate... A grande variedade de definições propostas deve nos dar uma pausa. – Kendall Walton

Em seu nível mais fundamental, tanto a arte quanto o design procuram comunicar algo, e quaisquer que sejam as diferenças, sejam classificadas como arte fina, comercial ou aplicada – na melhor das hipóteses, ambas as formas provocam uma resposta emocional.

Argumentou-se que a diferença entre arte fina e aplicada é contexto e tem mais a ver com juízos de valor feitos sobre a obra em si do que qualquer distinção indiscutível entre as duas disciplinas. Além disso, comparar “arte” e “design” é, embora um esforço grandioso, talvez quixotesco, pois nenhum deles pode ser definido absolutamente porque estão sempre mudando – os limites estão sendo constantemente empurrados e esperamos que continuem assim no futuro. Esse debate, afinal, é atemporal.

Como decidimos o que é arte e o que é design, e por que a relação entre os dois é tão fraturada? É a diferença entre o que é funcional (design) e o que não é funcional (arte) que cria a dissensão? Uma mesa de centro Noguchi ou uma cadeira Rennie Mackintosh é meramente um objeto funcional, ou é uma arte que por acaso tem uma função?

O arquiteto, artista e designer de Glasgow, Charles Rennie Mackintosh, foi um dos primeiros defensores da arquitetura integrada de arte. Ele acreditava na pura integração entre forma e função e buscou ao longo de sua carreira trazer à tona a teoria do “quarto como obra de arte”.

Frank Lloyd Wright acreditava tão fortemente na unidade de forma e função que mudou o axioma muitas vezes incompreendido, “forma segue função” cunhado por seu mentor Louis Sullivan para ler “forma e função são um”. Seu plano para o Guggenheim “… era fazer do edifício e das pinturas uma bela sinfonia como nunca existiu no mundo da arte antes”.

Em conclusão, não é arte versus design, mas a unidade dos dois que está no centro de qualquer design superior. Em outras palavras, um bom design incorpora arte.

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