예술 대 디자인 – 시대를 초월한 논쟁

전문 디자이너들과 작업하는 데 얼마든지 시간을 할애하면 예술과 디자인을 동일시하는 것이 냄비를 자극하고 다음과 같은 대담한 진술을 들을 수 있는 확실한 방법이라는 것을 알게 됩니다.

• “디자인은 예술이 아닙니다 . 디자인은 기능해야 합니다.”
• "예술은 생각과 감정을 불러일으키는 것이지만 문제를 해결하지는 못합니다."
• "아티스트는 주로 본능에 따라 작업하는 반면 디자이너는 체계적이고 데이터 기반 프로세스를 사용합니다."

불행히도 디자이너 대 아티스트의 토론은 종종 욕설과 열광으로 악화됩니다. 선이 그어지고 전투 깃발이 올라가 생산적인 대화가 불가능해집니다.

여기에서 무슨 일이 일어나고 있는 걸까요? 왜 예술과 디자인이 서로 대립하게 되었고, 왜 디자이너들은 디자인이 예술이 될 수 없다고 그렇게 단호한가? 이러한 질문은 Toptal 디자이너 Micah Bowers와 Miklos Philips 간의 사려 깊은 대화를 위한 출발점입니다.

Bowers는 예술이 많은 창의적인 분야를 포괄하고 디자인은 하나이므로 디자인이 예술이라고 믿는 브랜드 디자이너이자 일러스트레이터입니다.

Toptal Design Blog의 UX 디자이너이자 수석 편집자인 Philips는 예술과 디자인이 교차할 수 있지만 분명히 다른 분야라는 입장을 취하고 있습니다.

링에 있는 우리 참가자들과 함께 토론을 시작할 시간입니다. 여러분, 장갑을 만지고 구석으로 가십시오.

디자인은 예술인가?

Micah: 디자인은 예술입니다. 예술은 디자인이다. 예외 없음.

분명히 합시다. 저는 제 직위가, 특히 제 디자인 동료들 사이에서 얼마나 인기가 없는지 알고 있습니다. 나는 대화를 나누고, 책을 읽고, 동료들과 이야기를 나누었고, 예술과 디자인 사이의 화해할 수 없는 차이를 확립하기로 결심한 수업을 들었습니다. 내 의견을 공유할 때마다 반발이 빠르고 거세지지만 나는 반대 주장(행운을 빕니다, Miklos)에 흔들리지 않습니다.

예술과 디자인의 구분에 대한 주장은 지난 15년 동안 나를 괴롭히는 끊임없는 저급 열병과도 같았습니다. 처음에는 산업 디자인 교육을 받았고, 그 다음에는 순수 예술 대학원 학위 과정에서, 그리고 브랜딩 경력을 쌓기 시작했습니다. 및 그림입니다.

제 입장은 이렇습니다. 훌륭한 디자인은 가장 중요한 예술입니다. 이 믿음은 무엇에 뿌리를 두고 있습니까? 예술에 대한 철학적 이해.

예술을 정의하려는 탐구는 수세기에 걸친 논쟁에 휩싸였습니다. 그리스 철학자 플라톤은 예술이 본질적으로 실재의 반영을 반영한다고 믿었습니다. 그러나 그의 견해는 광범위하게 논쟁되고 있으며 우리는 어딘가에서 시작해야하기 때문에 역사와 글로벌 사상과 문화의 다양성을 인정하는 이해를 목표로해야합니다.

Stanford Encyclopedia of Philosophy를 바꾸어 표현하면 다음과 같습니다.

예술은 알려진 모든 인간 문화에 존재하고 존재해 왔으며 높은 수준의 미적 관심을 가진 제작자가 의도적으로 부여한 대상, 공연 및 경험으로 구성됩니다.

이 정의 덕분에 디자인은 부인할 수 없는 예술입니다. 그것은 모든 인간 문화에서 찾을 수 있습니다. 오브제, 퍼포먼스, 경험을 만드는 데 사용됩니다. 그리고 디자이너는 의도적으로 상당한 양의 미적 관심을 작업에 주입합니다.

여기서 피할 수 없는 외침이 들립니다. “잠깐! 당신은 한 단어로 자신을 취소했습니다. 미적인!"

디자이너들은 미학과 관련하여 포괄적인 가정을 하는 것을 좋아하므로 제가 보호 장치를 구성하도록 허용합니다.

예술과 마찬가지로 미학의 개념은 철학적 사고의 복잡한 분야이며 "예쁘게 보이게 한다"는 디자이너의 고정 관념으로 축소될 수 없습니다.

사실, 미학은 "예술 대 디자인" 논쟁에 필수적인 많은 질문을 다룹니다.

• “실용적인 것으로 미학적 판단을 결정할 수 있는가?”
• "우리가 유용성과 아름다움을 판단하는 기준은 무엇입니까?"
• 그리고, “우리가 미적 판단을 내리는 근본적인 신념은 시간, 문화, 삶의 경험에 어떻게 영향을 받는가?”

제 요점은 다음과 같습니다. 현대 디자인의 세계에서 예술은 좁게 정의되고 부당하게 한심한 수채화 풍자 만화로 축소되었습니다. 디자이너들은 수세기에 걸친 예술적 실천, 철학적 탐구, 문화적 이해를 통해 자신의 분야(실체는 코믹한 정도로 다양함)의 중요성을 경솔하게 부풀렸습니다. 디자인은 예술입니다. 예술은 디자인이다. 예외 없음.

Miklos: 디자인은 기능을 수행해야 합니다. 예술이 아닙니다.

우선, 우리가 말하는 디자인의 유형 을 구분해야 합니다. 그래픽 디자인, 일러스트레이션, 브랜딩의 경우 디자인이 다소 '예술'일 수 있지만 디지털 제품 디자인이나 산업 디자인과 같은 보다 기능적인 디자인에 대해 이야기하려면 훨씬 더 깊이 들어가야 합니다. 디자인은 "예술"이 아닙니다.

훌륭한 디자인은 일부는 과학, 일부는 프로세스, 일부는 미학이 가미된 실용적인 솔루션 세트입니다. 디자이너는 표면을 넘어 문제에 대한 솔루션을 제공하는 것이 더 중요하다는 것을 필연적으로 발견합니다.

디자인은 예술이 아니라 과정입니다.

UX 디자이너로서 저는 항상 잠재적인 "디자인"이라고 부를 수 있는 외관을 넘어서 더 깊이 파고들어 더 큰 그림을 전체적으로 볼 필요가 있습니다. 대상 고객, 사용 사례 시나리오, 컨텍스트 및 디자인이 적용되는 장치 대상: TV에서 모바일로, 데스크탑에서 태블릿으로, ATM으로 등. 제품 디자인과 관련하여 검증 및 사용성 테스트를 잊지 마십시오. 디자인 이 예술이라면 어떻게 테스트할 수 있겠습니까?

디자인이 순수하게 예술에 관한 것이라면 사용성 휴리스틱은 어떻습니까? 피드백, 일관성 및 표준, 오류 방지, 사용자 제어, 유연성 및 예측 가능성과 같은 UX 사용성 개념이 창 밖으로 나와 있습니까? 디자인은 사람을 섬기는 것이 아닌가? 예술가가 되고 싶다면 그렇게 하되 스스로를 디자이너라고 부르지 마십시오. 화가나 조각가가 되십시오.

Jonathan Ive는 "어떤 것이 작동하고 직관적으로 작동할 때 아름다움이 있습니다." 라고 말합니다.

"직관적으로 작업"하는 부분만으로는 "예술"로 달성할 수 없습니다. 그것은 사용자 연구와 테스트에 의해 주도됩니다. 좋은 디자인은 또한 데이터 기반입니다. 게다가 가까운 장래에 AI는 디자인이 전달되는 방식을 변화시킬 것입니다. 그것은 매우 개인화되고 기대될 것입니다. "예술"로서의 디자인이 그렇게 할 수 있을까요? 나는 그렇게 생각하지 않는다.

매표기 UI 디자인이 '예술'이라고 할 수는 없습니다. Toptal Design Blog의 다른 기사에서 이전에 언급했듯이 미학과 감성 디자인이 중요한 역할을 하는 것은 미학이 더 나은 미학을 지닌 디자인이 제품을 "더 잘 작동하는" 것처럼 보이게 하는 정도로 디자인에서 역할을 하기 때문입니다. 그러나 여전히 디자인의 기능과 사용 맥락을 고려해야 합니다.

예를 들어, Don Norman의 획기적인 저서 "The Design of Everyday Things"에서 그는 디자인과 어포던스의 개념에 대해 이야기합니다. (어포던스의 개념은 지각 심리학자 James J. Gibson이 그의 획기적인 책 The Ecological Approach to Visual Perception 에서 만들었습니다.) Norman은 다음과 같이 썼습니다.

어포던스는 사물의 작동에 대한 강력한 단서를 제공합니다. 플레이트는 밀기용입니다. 손잡이는 회전용입니다. 슬롯은 물건을 삽입하기 위한 것입니다. 핸들은 들어올리기 위한 것입니다. 공은 던지거나 튀기 위한 것입니다. 어포던스를 활용하면 사용자는 보기만 해도 무엇을 해야 하는지 알 수 있습니다. 그림, 레이블 또는 지침이 필요하지 않습니다.

따라서 어포던스는 디자인에서 기능의 "인지된 속성"이며 가능한 상호 작용의 존재에 대한 단서를 사용자에게 제공하는 "기호"로 사용자에게 신호를 보내야 합니다. 나는 어포던스와 기표의 개념을 "예술"과 결합하는 것에 대해 어떻게 해야할지 모르겠습니다. HCI(인간-컴퓨터 상호 작용) 영역에서 필수적인 상호 작용 디자인 개념입니다. 그들은 예술과 아무 관련이 없습니다.

UX 디자이너로서 나는 그 개념을 거부합니다. 피카소가 큐비즘 스타일로 디자인한 티켓 판매기를 상상할 수 있습니까? 흥미롭지 않을 것이라고 말하지는 않지만 그다지 효과적이거나 기능적이지 않을 것입니다.

좋은 디자인이란 무엇입니까?

Micah: 예술은 문제를 해결합니다. "좋은 디자인"은 단순히 솔루션으로 가는 하나의 경로일 뿐입니다.

피카소 큐비즘에 나오는 매표기? 이제 좋은 디자인 이 될 것입니다! 나는 큐비즘의 문체적 부조화를 명확하게 정의된 시각적 계층으로 활용하여 명확한 상호 작용 지점으로 사용자를 즐겁게 하는 유능한 예술가의 손을 상상할 수 있습니다. 마지막으로, 우리 모두가 익숙해져 버린 단조롭고 혼란스러운 단추 신사에 작별 인사를 할 수 있습니다.

흥미롭게도 그러한 아이디어가 전례가 없는 것은 아닙니다. 전 세계의 도시와 도시에서 공공 예술 설치물은 이전에 간과되거나 디자인에 의해 혼란스러운 경험을 개선하는 데 사용되었습니다. 네덜란드 예술가 Daan Roosegaarde가 만든 Van Gogh Path가 완벽한 예입니다.

반 고흐의 별이 빛나는 밤에서 영감을 받은 이 길은 NL(1880년대에 예술가가 살았던 도시)의 누에넨을 가로지르며 낮에는 태양 에너지를 포착하고 밤에는 빛을 발하는 수천 개의 작은 페인트 암석으로 구성되어 있습니다.

이것이 모든 프로젝트를 포괄한다면 멋진 조명 효과에 불과하지만 Roosegaarde의 예술적 비전의 범위는 훨씬 더 넓습니다. Van Gogh Path는 빛나는 양방향 도로의 지속 가능한 시스템을 구현하여 네덜란드 풍경을 재창조하려는 야심 찬 노력인 SMART HIGHWAY라는 대규모 프로젝트의 개념 증명입니다.

테이크아웃? 예술과 예술가는 실질적인 문제를 해결할 수 있는 능력이 있습니다.

문제 해결에는 지식, 경험, 기술, 연구, 위험 및 인간 행동에 대한 이해가 필요하지만 불행히도 많은 디자이너는 예술가가 수세기 동안 체계적으로 창의적인 솔루션을 추구했음에도 불구하고 예술가가 작업에 문제 해결 방법론을 사용한다는 사실을 인정하지 않습니다. , "디자이너"라는 구분이 유행하기 오래 전에.

증거가 필요하십니까?

다시, 우리는 네덜란드 예술가이자 빛의 대가이자 진주 귀걸이를 한 소녀 의 화가인 요하네스 베르메르를 봅니다. 베르메르는 17세기 중엽에 살았고 화가로서 약간의 성공을 거뒀고 엄청난 빚을 지고 죽었다. 그러나 그가 죽은 지 거의 2세기가 지난 후, 베르메르의 작품은 재발견되었고, 역사상 가장 위대한 화가 중 한 사람이라는 그의 위상은 미술사 연대기에 공고히 되었습니다.

그런데 이상한 일이 일어났습니다. 사람들은 베르메르와 그의 작품을 더 많이 연구할수록 그의 그림과 과정이 진정으로 다른 예술가들의 것과 다르다는 것을 깨달았습니다. 어때요?

• Vermeer는 정식 예술 교육을 받지 않았으며 화가로서의 견습 과정을 거치지 않은 것 같습니다.
• 그의 작품은 총 50점 미만으로 매우 작습니다.
• 그에게는 제자나 제자가 없었습니다.
• 베르메르의 거의 모든 그림은 그의 집에 있는 두 개의 방 중 하나에서 상연되었습니다.
• 베르메르가 그린 준비 도면이나 스케치가 남아 있지 않습니다.
• 베르메르의 그림을 X선으로 찍어보면 밑그림이나 구성 수정이 전혀 보이지 않습니다.
• 그의 그림에는 인공 렌즈를 통해서만 볼 수 있는 조명과 원근 왜곡이 포함되어 있습니다.
• 그리고 마지막으로 Vermeer는 렌즈 제작 및 현미경 분야에서 선구적인 작업으로 유명한 네덜란드 과학자 Antonie van Leeuwenhoek의 절친한 친구였습니다.

이 모든 것이 무엇을 의미합니까? Vermeer는 그의 걸작을 만들기 위해 아직 알려지지 않은 고급 카메라 옵스큐라 형식을 사용했을 것입니다. 이것은 논쟁의 여지가 있는 이론이지만 그러한 주장을 뒷받침하는 여러 출처의 증거가 충분합니다.

우리의 토론과 어떤 관련이 있습니까? Vermeer는 350년 이상 동안 탐지되지 않고 복제되지 않은 장치와 프로세스를 발명했으며 공식적인 교육 없이도 세계에서 가장 상징적이고 기술적으로 정교한 그림을 만들 수 있었습니다. 그것이 문제 해결의 정점이다.

디자인은 예술 형식이며 사물, 공연 및 경험에 의미를 부여하기 위해 고도로 발달된 절차 시스템을 따르는 인간 표현 방법입니다. 모든 예술 형식과 마찬가지로 디자인도 문제를 해결할 수 있는 잠재력이 있지만 반드시 해결된다는 보장은 없습니다.

무엇보다 나는 디자이너들이 예술이 자신의 감정을 핑거 페인팅하는 데 몰두하는 디자인 거부의 비참한 하위 문화가 아니라는 것을 깨닫기를 바랍니다. 사실 예술에 대한 낮은 시각은 또한 창의적 잠재력과 학제간 발전을 심각하게 제한하는 디자인, 과학, 역사, 문화에 대한 낮은 시각이기도 합니다.

결국 예술은 문제를 해결합니다. "좋은 디자인"은 단순히 솔루션으로 가는 하나의 경로일 뿐입니다.

Miklos: 좋은 디자인은 편견이 없고 사람들이 필요로 하는 것을 전달합니다.

롤링 스톤즈의 노래처럼 "사람들이 원하는 것"이라고 말하지 않았음을 주목하세요. "항상 원하는 것을 얻을 수는 없습니다. 사람들은 항상 자신이 원하는 것이 무엇인지 알지 못합니다. 필요한 것이 무엇인지 정확히 파악하는 것은 디자이너에게 달려 있습니다.

그건 그렇고, 그림은 어떻게 문제를 해결합니까? 나는 그것을 보지 못한다.

좋은 디자인은 어느 정도 주관적이지만 제 생각에 "좋은 디자인"은 많은 검증/테스트를 거친 반복적인 디자인 프로세스를 따라 파악됩니다. 바로 '디자인 씽킹'입니다. 그것은 수십 년 동안 주변에 있었다. 올바른 방식으로, 적절한 시간에, 적절한 순간에 모든 것이 함께 작동하는 것입니다.

좋은 디자인은 확실히 예술이나 미학에 관한 것이 아닙니다 . 그것은 바로 표면입니다. 좋은 디자인은 의도된 사용자 기반, 환경, 사용 컨텍스트, 매체, 표시될 장치와 같은 여러 요소에 의해 판단되어야 합니다. 예를 들어, 티켓 자동 판매기의 경우 미학은 그다지 중요하지 않을 수 있습니다. 매우 기능적이고 빠르고 효율적이어야 합니다.

내가 생각하는 좋은 디자인은 미학과 인터랙션 디자인 사이에서 올바른 균형을 이루는 디자인입니다. 매표기의 예를 계속 사용하려면 그 시나리오에서 "외모"가 덜 중요하고 균형 척도의 중요성 측면에서 적절한 부분을 취해야하며 사용성 및 상호 작용 디자인 (기능적 디자인)은 더 큰 것을 취해야합니다. 비율.

또한 "좋은 디자인"과 "나쁜 디자인"을 대조할 수도 있습니다. 나쁜 디자인은 판데모니엄입니다. 무질서입니다. 답답하거나 짜증날 수 있습니다. 그것은 사람들의 속도를 늦추고 감정적으로 고갈시킵니다. 실제로 추하거나 단순히 눈에 띄지 않아 다른 사람의 관심을 끌 가치가 없을 수 있습니다. 청중에게 나쁜 디자인은 권한 부여가 아니라 장애가 됩니다.

디자인은 주관적인가 객관적인가?

Miklos: 두 가지를 다양한 비율로 혼합한 것입니다.

예술과 디자인은 불가분의 관계에 있습니다. 저는 디자인을 "예술"을 포함 하는 전체론적 노력이라고 생각합니다. 디자인은 주관적인 동시에 객관적이지만 기본적으로 객관적 이어야 합니다. 적절한 디자인 객관성은 사용자 연구(대상 사용자 기반 정의, 제품 사용자 파악, 사용 컨텍스트 관찰), 사용자 중심 디자인 프로세스(UCD) 및 사용자 테스트의 필수 단계를 통해 작업하여 달성됩니다.

디자인은 뛰어난 디자이너의 마음에서 나올 수 있지만 실제 사용은 여전히 ​​​​검증되어야합니다. 디자인이 주관적인 경우 사용성 테스트가 필요하지 않습니다(디자인이 작동하지 않는다는 것을 알게 되어 디자이너를 화나게 할 가능성이 가장 높음). 디자인은 한 사람에게서 나왔을 것입니다. 저에게는 우스꽝스럽고 후진적인 아이디어입니다. 100% 주관적인 디자이너는 오만합니다.

그러나 미학이 중요한 역할을 하며 아마도 감성적인 디자인이 일어나는 곳일 것 입니다. 디자이너의 감성, '예술', 주관성을 전면에 내세우는 단계다. 훌륭한 디자이너는 기본 기능 디자인에 "옷을 입히거나" "파사드를 입혀서" 모든 감정적 수준(내장, 행동 및 반사)에서 작동하는 무언가를 만들어 놀라운 UX가 있는 제품을 제공합니다.

일부 디자이너는 좋은 디자인이 객관적 이어야 한다고 믿습니다. 나는 그것을 믿지 않는다. Starck 또는 Jonathan Ive의 디자인에는 천재적인 감각이 있습니다. 그들은 취향과 관련된 디자인에 약간의 주관성을 부여합니다. 스티브 잡스의 가장 큰 모욕 중 하나는 미각이 없는 사람을 비난하는 것이었습니다.

Micah: 예술과 예술의 모든 분야(디자인 포함)는 객관성과 주관성을 결합합니다.

어떻게 된 건지 잘 모르겠어, Miklos. 하지만 우리가 일종의 공통점을 찾은 것 같고, 기분 좋게 놀랐다.

예술과 디자인을 포함한 모든 분야는 객관성과 주관성의 혼합을 요구합니다. 물론 눈을 굴리며 “예술은 순전히 주관적이다. 사람들마다 다른 의미를 가질 수 있습니다.” 명백한 반대말? “디자인도 마찬가지!”

그러나 더 자세히 살펴보겠습니다.

디자이너가 예술이 주관적이어야 한다고 주장할 때, 그들은 일반적으로 사람들이 예술가의 노력의 결과 를 판단하는 방식을 언급하고 있습니다. 예술에 대한 이러한 사고 방식은 결과를 가장 중요하게 생각합니다. 즉, 예술은 오브제, 퍼포먼스, 경험과 동일합니다. 예술은 그림입니다. 예술은 춤입니다. 예술은 빛의 쇼입니다.

이렇게 보면 예술 은 주관적이다. 나는 American Gothic이 소름 끼치는 것이라고 생각하지만 당신은 그것이 고무적이라고 생각합니다. 나는 Eames Chair가 고급스럽다고 생각하지만, 당신은 그것이 키치하다고 느낍니다. WhatsApp 인터페이스가 혼란스럽다고 생각하지만 이보다 더 우아한 것은 본 적이 없습니다. 예술은 결과이고 결과는 해석의 여지가 있으며 모든 사람의 권리입니다!

운 좋게도 이 토론을 시작할 때 내가 제안한 예술의 정의가 더 미묘하므로 기억을 새로고침해 보겠습니다.

예술은 알려진 모든 인간 문화에 존재하고 존재해 왔으며 높은 수준의 미적 관심을 가진 제작자가 의도적으로 부여한 대상, 공연 및 경험으로 구성됩니다.

굵게 표시된 단어에 주목하세요. 예술가들은 자신의 작업에 높은 수준의 의미를 "의도적으로 부여" 합니다. 즉, 의식적으로 향상시키거나 의도적으로 풍부하게 합니다. 행동에는 의도가 있습니다.

더 완전히 이해하면 예술은 결과가 아닙니다. 예술은 과정이고, 예술의 과정은 객관성이 넘친다.

동의하지 않습니까? 반복 가능한 관행, 표준화된 도구, 화학 반응 및 예술 덕분에 과학적 발견이 수세기에 걸쳐 이루어졌는지 생각해 보십시오. 마음과 독립적인 현실이 있을 수 있는 한(객관성의 정의), 예술은 과정에 의존하기 때문에 객관적입니다.

도예가가 식기를 먼저 말리지 않고 불에 태우면 폭발합니다.

피아니스트가 정확한 건반에 손가락을 대면 의도한 코드를 연주합니다.

웹 디자이너가 본문 텍스트로 Dingbats를 선택하면 클라이언트 사이트의 많은 부분을 읽을 수 없게 됩니다.

중요한 시사점은 Miklos입니다. 저는 대부분 귀하의 의견에 동의합니다. 예술, 그리고 그에 따른 디자인은 객관성과 주관성이 뒤섞여 있고 이 예술 대 디자인 논쟁이 앞으로 몇 년 동안 계속될 만큼 충분히 모호합니다.

결론

'예술이란 무엇인가?'라는 단어가 하나의 질문과 같은 것을 표현하고, 이에 대해 경쟁적인 답변이 제공되는지, 답변을 제안하는 철학자들이 심지어 동일한 토론에 참여하는지 여부는 전혀 분명하지 않습니다. 제안된 정의의 순전히 다양한 우리에게 일시 중지를 주어야 합니다. – 켄달 월튼

가장 기본적인 수준에서 예술과 디자인 모두 무언가를 전달하려고 하며 차이점이 무엇이든, 또는 순수 예술, 상업 예술 또는 응용 예술로 분류되는지 여부에 관계없이 두 형식 모두 최고의 감정적 반응을 이끌어냅니다.

순수 예술과 응용 예술의 차이는 맥락 이며 두 분야 간의 논쟁의 여지가 없는 구별보다 작품 자체에 대한 가치 판단과 더 관련이 있다고 주장되어 왔습니다. 더욱이, "예술"과 "디자인"을 비교하는 것은 고상한 노력이지만 아마도 황당할 수 있습니다. 둘 다 항상 변하기 때문에 절대적으로 정의할 수 없기 때문입니다. 경계는 끊임없이 밀려나고 있고 앞으로도 계속 그럴 것입니다. 결국 이 논쟁 은 시대를 초월합니다.

무엇이 예술이고 무엇이 디자인인지 우리는 어떻게 결정하며, 왜 둘 사이의 관계가 이렇게 단절된 것입니까? 기능적(디자인)적인 것과 기능적이지 않은 것(예술)의 차이가 갈등을 일으키는가? Noguchi 커피 테이블이나 Rennie Mackintosh 의자는 단순히 기능적인 대상입니까, 아니면 기능을 갖게 된 예술입니까?

Glaswegian 건축가, 예술가 및 디자이너 Charles Rennie Mackintosh는 통합 예술 건축의 첫 번째 지지자 중 한 사람입니다. 그는 형태와 기능의 순수한 통합을 믿었고 자신의 경력 내내 "예술 작품으로서의 방" 이론을 제시하려고 노력했습니다.

Frank Lloyd Wright는 형태와 기능의 단일성을 매우 강하게 믿었기 때문에 종종 오해를 불러일으키는 공리인 “형태는 기능을 따른다”는 그의 멘토인 Louis Sullivan이 만든 “형태와 기능은 하나입니다”로 변경했습니다. 구겐하임에 대한 그의 계획은 "...건물과 그림을 이전에 예술 세계에 존재하지 않았던 아름다운 교향곡으로 만드는 것"이었습니다.

결론적으로, 우수한 디자인의 핵심은 예술 대 디자인이 아니라 이 둘의 통합입니다. 즉, 좋은 디자인은 예술을 포함합니다.

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