Arte vs Design: un dibattito senza tempo

Trascorri un po' di tempo lavorando tra designer professionisti e imparerai che equiparare l'arte al design è un modo infallibile per mescolare il piatto e ascoltare affermazioni audaci come:

• “Il design non è arte. Il design deve funzionare”.
• "L'arte ha lo scopo di provocare pensieri ed emozioni, ma non risolve i problemi."
• "Gli artisti lavorano principalmente d'istinto, mentre i designer utilizzano un processo metodico basato sui dati".

Sfortunatamente, la discussione tra designer e artista spesso si trasforma in invettive e deliri. Si tracciano linee, si alzano bandiere di battaglia e il dialogo produttivo diventa impossibile.

Cosa sta succedendo davvero qui? Perché arte e design sono stati messi l'uno contro l'altro e perché i designer sono così irremovibili che il design non può essere arte? Queste domande sono il punto di partenza per una conversazione ponderata tra i designer di Toptal Micah Bowers e Miklos Philips.

Bowers è un designer e illustratore di marchi che crede che l'arte comprenda molte discipline creative, il design è una sola, e quindi il design è arte.

Philips, UX designer e lead editor per il Toptal Design Blog, sostiene che arte e design possono intersecare, ma sono campi nettamente diversi.

Con i nostri concorrenti sul ring, è tempo che inizi il dibattito. Signori, toccate i guanti e andate ai vostri angoli.

Il design è arte?

Michea: Il design è arte. L'arte è design. Nessuna eccezione.

Sia chiaro: sono consapevole di quanto sia impopolare la mia posizione, specialmente tra i miei colleghi di design. Sono stato a conferenze, letto libri, parlato con i colleghi e ho preso lezioni determinato a stabilire le differenze inconciliabili tra arte e design. Ogni volta che condivido le mie opinioni, il contraccolpo arriva rapido e feroce, ma rimango impassibile di fronte alle controargomentazioni (buona fortuna, Miklos).

L'insistenza sulla distinzione tra arte e design è stata come una febbre costante e di basso livello che mi ha infastidito negli ultimi 15 anni, prima durante la mia formazione in design industriale, poi durante una laurea in belle arti e poi nella mia carriera nel marchio e illustrazione.

La mia posizione è questa: il grande design è prima di tutto arte. In cosa è radicata questa convinzione? Una lettura filosofica dell'art.

La ricerca per definire l'arte è immersa in secoli di dibattito. Il filosofo greco Platone credeva che l'arte fosse essenzialmente un riflesso di un riflesso di ciò che è reale. Ma le sue opinioni sono ampiamente contestate e, poiché da qualche parte dobbiamo iniziare, dobbiamo mirare a una comprensione che riconosca la storia e la diversità del pensiero e della cultura globale.

Parafrasando la Stanford Encyclopedia of Philosophy ci porta qui:

L'arte esiste ed è esistita in ogni cultura umana conosciuta ed è composta da oggetti, spettacoli ed esperienze che sono intenzionalmente dotati dai loro creatori di un alto grado di interesse estetico.

In virtù di tale definizione, il design è innegabilmente art. Può essere trovato in ogni cultura umana. Viene utilizzato per creare oggetti, performance ed esperienze. E i designer instillano intenzionalmente quantità significative di interesse estetico nel loro lavoro.

Qui si sente l'inevitabile grido: "Aspetta! Ti sei distrutto con una sola parola. Estetico!"

I designer amano fare supposizioni radicali riguardo all'estetica, quindi permettetemi di costruire una salvaguardia.

Proprio come l'arte, il concetto di estetica è un campo complicato del pensiero filosofico e non può essere ridotto allo stereotipo del designer secondo cui significa "far sembrare le cose belle".

In effetti, l'estetica copre molte questioni che sono essenziali nel dibattito "arte contro design":

• “È possibile determinare un giudizio estetico da uno pratico?”
• "Qual è la base su cui giudichiamo tra utilità e bellezza?"
• E: "In che modo le convinzioni fondamentali con cui esprimiamo giudizi estetici sono influenzate dal tempo, dalla cultura e dall'esperienza di vita?"

Ecco il mio punto: nel mondo del design contemporaneo, l'arte è stata definita in modo restrittivo e ingiustamente ridotta in una patetica caricatura ad acquerello. I designer hanno gonfiato irriverentemente il significato delle proprie discipline (che variano nella sostanza in misura comica) nel corso di secoli di pratica artistica, ricerca filosofica e comprensione culturale. Il design è arte. L'arte è design. Nessuna eccezione.

Miklos: Il design deve svolgere una funzione. Non l'art.

Prima di tutto, dobbiamo distinguere di quale tipo di design stiamo parlando. Posso vedere nel caso della progettazione grafica, dell'illustrazione e del marchio che forse il design è in qualche modo "arte", ma se parliamo di design più funzionale, come il design di prodotti digitali o il design industriale, dobbiamo andare molto più a fondo, e diventa chiaro: il design non è “arte”.

Il grande design è in parte scienza, in parte processo e in parte un insieme pratico di soluzioni con un pizzico di estetica. Andando oltre la superficie, un designer scopre inevitabilmente che il grande design consiste più nel fornire soluzioni ai problemi.

Il design è un processo, non arte.

Come designer UX, ho sempre bisogno di scavare più a fondo, al di là della facciata che si potrebbe chiamare un potenziale "design" e guardare il quadro più ampio in modo olistico: il pubblico di destinazione, gli scenari dei casi d'uso, il contesto e il dispositivo in cui il design è destinato a: TV su mobile, desktop su tablet, bancomat, ecc. E quando si tratta di design del prodotto, non dimentichiamo i test di convalida e usabilità. Se il design fosse solo arte, come potresti testarlo?

Se il design riguardasse esclusivamente l'arte, che dire dell'euristica dell'usabilità? Concetti di usabilità UX come feedback, coerenza e standard, prevenzione degli errori, controllo utente, flessibilità e prevedibilità sono fuori dalla finestra? Il design non è lì per servire le persone? Se vuoi essere un artista, sii quello, ma non definirti un designer. Sii un pittore o uno scultore.

"C'è bellezza quando qualcosa funziona e funziona in modo intuitivo", afferma Jonathan Ive.

La sola parte del “lavorare intuitivamente” non può essere raggiunta dall'“arte”; è guidato dalla ricerca e dai test degli utenti. Un buon design è anche basato sui dati. Inoltre, nel prossimo futuro, l'IA trasformerà il modo in cui viene fornito il design. Sarà super-personalizzato e anticipatore. Il design come “arte” sarà in grado di farlo? Non credo.

Non si può dire che progettare l'interfaccia utente di un distributore automatico di biglietti sia "arte". Sicuramente, l'estetica e il design emotivo entrano in gioco, come hanno già detto altri articoli sul blog di Toptal Design, perché l'estetica gioca un ruolo nel design nella misura in cui i design con un'estetica migliore fanno sembrare un prodotto "funzionante meglio". Tuttavia, è necessario tenere conto della funzione del design e del contesto di utilizzo.

Ad esempio, nel libro fondamentale di Don Norman "The Design of Everyday Things", parla del design e del concetto di affordances. (Il concetto di affordance è stato coniato dallo psicologo percettivo James J. Gibson nel suo libro rivoluzionario The Ecological Approach to Visual Perception .) Norman scrive:

Le concessioni forniscono indizi forti sulle operazioni delle cose. I piatti sono per spingere. Le manopole sono per girare. Gli slot servono per inserire oggetti. Le maniglie sono per il sollevamento. Le palle sono per lanciare o rimbalzare. Quando si sfrutta la convenienza, l'utente sa cosa fare semplicemente guardando: non sono necessarie immagini, etichette o istruzioni.

Quindi, le affordances sono "proprietà percepite" di una funzione nella progettazione e devono essere segnalate all'utente con "significatori", che forniscono indizi all'utente dell'esistenza di una possibile interazione. Non so come si potrebbe sposare i concetti di affordances e significanti con "arte". Sono concetti essenziali di progettazione dell'interazione nel regno dell'HCI (interazione uomo-computer). Non hanno nulla a che vedere con l'art.

Come designer UX, rifiuto l'idea. Voglio dire, puoi immaginare un distributore automatico di biglietti disegnato in stile cubista da Picasso? Non dico che non sarebbe interessante, ma non sarebbe molto efficace o funzionale.

Che cos'è un buon design?

Micah: L'arte risolve i problemi. "Buon design" è semplicemente un percorso verso una soluzione.

Un distributore automatico di biglietti nel Cubismo di Picasso? Ora sarebbe un buon design! Posso immaginare le mani di un artista capace che sfrutta la dissonanza stilistica del cubismo in una gerarchia visiva chiaramente definita che delizia gli utenti con punti di interazione inequivocabili. Infine, potremmo salutare i santuari dei bottoni insipidi e confusi a cui tutti siamo abituati.

È interessante notare che un'idea del genere non è senza precedenti. Nelle città di tutto il mondo, le installazioni di arte pubblica sono state utilizzate per migliorare esperienze precedentemente trascurate o confuse dal design. Il Van Gogh Path, creato dall'artista olandese Daan Roosegaarde, ne è un esempio perfetto.

Ispirato alla Notte stellata di Van Gogh, il percorso attraversa Nuenen, NL (una città in cui l'artista visse negli anni '80 dell'Ottocento) ed è composto da migliaia di piccole rocce dipinte che catturano l'energia del sole durante il giorno e si illuminano di notte.

Se questo fosse tutto il progetto compreso, sarebbe poco più di un piacevole effetto luminoso, ma la portata della visione artistica di Roosegaarde è molto più ampia. Van Gogh Path è una prova di concetto all'interno di un progetto più ampio chiamato SMART HIGHWAY, uno sforzo ambizioso volto a reinventare il paesaggio olandese implementando un sistema sostenibile di strade luminose e interattive.

L'asporto? L'arte e gli artisti hanno la capacità di risolvere problemi sostanziali.

La risoluzione dei problemi richiede conoscenza, esperienza, abilità, ricerca, rischio e comprensione del comportamento umano, ma sfortunatamente molti designer non riconoscono che gli artisti utilizzano la metodologia di risoluzione dei problemi nel loro lavoro, anche se gli artisti perseguono sistematicamente soluzioni creative per secoli , molto prima che la distinzione di "designer" fosse di moda.

Hai bisogno di una prova?

Ancora una volta, guardiamo a un artista olandese, il maestro della luce e pittore della Ragazza con l'orecchino di perla , Johannes Vermeer. Vermeer visse durante la metà del XVII secolo, ottenne un modesto successo come pittore e morì sotto una montagna di debiti. Quasi due secoli dopo la sua morte, tuttavia, l'opera di Vermeer fu riscoperta e la sua posizione come uno dei grandi pittori di tutti i tempi fu cementata negli annali della storia dell'arte.

Ma è successa una cosa strana. Più le persone studiavano Vermeer e il suo lavoro, più si rendevano conto che i suoi dipinti e il suo processo erano davvero diversi da quelli di qualsiasi altro artista. Come mai?

• Vermeer non aveva una formazione artistica formale e apparentemente non ha svolto un apprendistato come pittore.
• Il suo corpus di opere è piuttosto piccolo, composto da meno di 50 dipinti totali.
• Non ha mai avuto allievi o apprendisti suoi.
• Quasi tutti i dipinti di Vermeer furono messi in scena in una delle due stanze della sua casa.
• Non ci sono disegni preparatori sopravvissuti o schizzi attribuiti a Vermeer.
• I raggi X dei dipinti di Vermeer non rivelano alcun disegno o correzione compositiva.
• I suoi dipinti contengono luci e distorsioni prospettiche che possono essere viste solo attraverso lenti artificiali.
• E infine, Vermeer era un caro amico di Antonie van Leeuwenhoek, uno scienziato olandese noto per il suo lavoro pionieristico nel campo della produzione di lenti e della microscopia.

Cosa significa tutto questo? Vermeer probabilmente ha utilizzato una forma avanzata e ancora sconosciuta di camera oscura per creare i suoi capolavori. Questa è una teoria controversa, ma ci sono ampie prove da più fonti a sostegno di tale affermazione.

In che modo è rilevante per il nostro dibattito? Vermeer ha inventato un apparato e un processo che sono rimasti inosservati e non duplicati per oltre 350 anni e gli ha permesso di creare alcuni dei dipinti più iconici e tecnicamente raffinati del mondo senza alcuna formazione formale. Questo è l'apice della risoluzione dei problemi.

Il design è una forma d'arte, un metodo di espressione umana che segue un sistema di procedure altamente sviluppate per infondere significato a oggetti, performance ed esperienze. Come tutte le forme d'arte, il design ha il potenziale per risolvere i problemi, ma non vi è alcuna garanzia che lo farà.

Più di ogni altra cosa, voglio che i designer si rendano conto che l'arte non è una sottocultura stupida del design, che si preoccupa di dipingere con le dita i propri sentimenti. In effetti, una visione bassa dell'arte è anche una visione bassa del design, della scienza, della storia e della cultura che limita fortemente il potenziale creativo e il progresso interdisciplinare.

Alla fine, l'arte risolve i problemi. "Buon design" è semplicemente un percorso verso una soluzione.

Miklos: Un buon design è imparziale e offre ciò di cui le persone hanno bisogno.

Nota che non ho detto "ciò che la gente vuole" come la canzone dei Rolling Stones che dice: "Non puoi sempre ottenere ciò che vuoi... ottieni ciò di cui hai bisogno". Le persone non sempre sanno cosa vogliono, spetta ai designer capire esattamente di cosa hanno bisogno.

A proposito, in che modo i dipinti risolvono i problemi? Non riesco a vederlo.

Un buon design è soggettivo in una certa misura, ma dal mio punto di vista il "buon design" viene individuato lungo il percorso in un processo di progettazione iterativo con molte convalida/test. È "pensiero progettuale". È in circolazione da decenni. È qualcosa che funziona, in cui le cose si uniscono nel modo giusto, al momento giusto, al momento giusto.

Un buon design non riguarda solo l'arte o l'estetica. Questa è solo la superficie. Un buon design dovrebbe essere giudicato da diversi fattori come la base di utenti prevista, l'ambiente, il contesto di utilizzo, il supporto e il dispositivo su cui deve apparire. Ad esempio, nel caso di un distributore automatico di biglietti, l'estetica potrebbe non essere così importante: le persone hanno bisogno di fare le cose e le cose devono solo funzionare per loro. Deve essere super funzionale, veloce ed efficiente.

Il buon design nella mia mente è un design che è bilanciato nel modo giusto tra estetica e design dell'interazione. Per continuare a usare l'esempio di un distributore automatico di biglietti, in quello scenario, il "look" è meno importante e dovrebbe assumere la parte appropriata in termini di importanza sulla scala di bilanciamento, e l'usabilità e l'interaction design (design funzionale) dovrebbero assumere la maggiore proporzione.

Potremmo anche mettere a confronto "buon design" e "cattivo design". Il cattivo design è un pandemonio. È disordine. Può essere frustrante o fastidioso. Rallenta le persone e le prosciuga emotivamente. Potrebbe essere effettivamente brutto, o semplicemente insignificante e quindi non degno dell'attenzione di nessuno. Per il tuo pubblico, un cattivo design è un impedimento anziché un potenziamento.

Il design è soggettivo o oggettivo?

Miklos: È un mix di entrambi in proporzioni variabili.

Arte e design sono indissolubilmente uniti. Considero il design come uno sforzo olistico che include "l'arte". Il design è sia soggettivo che oggettivo, ma dovrebbe essere principalmente oggettivo . La corretta obiettività del design si ottiene mediante la ricerca degli utenti (definizione della base di utenti target, conoscenza degli utenti del prodotto, osservazione del contesto d'uso), elaborazione delle fasi essenziali di un processo di progettazione centrato sull'utente (UCD) e test degli utenti.

Un design può nascere dalla mente di un brillante designer, ma il suo uso pratico deve ancora essere convalidato. Se il design fosse solo soggettivo, non ci sarebbe bisogno di test di usabilità (il che molto probabilmente sconvolgerebbe il designer perché scoprirebbe che il design non funziona). Il design verrebbe da una persona che, per me, è un'idea ridicola e arretrata. I designer che sono soggettivi al 100% sono arroganti.

Tuttavia, una piccola percentuale di soggettività entra in gioco: l'estetica gioca un ruolo, ed è forse qui che avviene il design emotivo. Questo è il passaggio in cui la sensibilità, l'“arte” e la soggettività del designer vengono messe in primo piano. I grandi designer "vestono" o "mettono una facciata" sul design funzionale sottostante per creare qualcosa che funzioni a tutti i livelli emotivi - viscerale, comportamentale e riflessivo - per fornire un prodotto con un'esperienza utente straordinaria.

Alcuni designer credono che un buon design debba essere obiettivo. Non ci credo. C'è un tocco di genio nei design di Starck o Jonathan Ive. Apportano un tocco di soggettività ai loro progetti che ha a che fare con il gusto. Uno dei più grandi insulti di Steve Jobs è stato accusare qualcuno di non avere gusto.

Micah: L'arte e tutte le sue discipline (design incluso) uniscono oggettività e soggettività.

Non sono sicuro di come sia successo, Miklos, ma sembra che abbiamo trovato una sorta di terreno comune e sono piacevolmente sorpreso.

L'arte e tutte le sue discipline, compreso il design, richiedono un mix di oggettività e soggettività. Naturalmente, ci saranno designer che alzano gli occhi al cielo e dichiarano: “L'arte è puramente soggettiva. Può significare cose diverse per persone diverse”. L'ovvio contrappunto? “Lo stesso con il design!”

Ma diamo un'occhiata più da vicino.

Quando i designer affermano che l'arte deve essere soggettiva, in genere si riferiscono al modo in cui le persone giudicano il risultato degli sforzi di un artista. Questo modo di pensare l'arte pone un'enfasi suprema sui risultati. In altre parole, l'arte è uguale a oggetti, performance ed esperienze. L'arte è un dipinto. L'arte è una danza. L'arte è uno spettacolo di luci.

Vista in questo modo, l'arte è soggettiva. Penso che l'American Gothic sia inquietante, ma tu lo trovi stimolante. Penso che una sedia Eames sia di classe, ma tu pensi che sia kitsch. Penso che l'interfaccia di WhatsApp sia confusa, ma non hai mai visto niente di più elegante. L'arte è un risultato, i risultati sono aperti a interpretazioni e tutti hanno ragione!

Per fortuna, la definizione di arte che ho proposto all'inizio di questo dibattito è più sfumata, quindi rinfreschiamoci la memoria:

L'arte esiste ed è esistita in ogni cultura umana conosciuta ed è composta da oggetti, spettacoli ed esperienze che sono intenzionalmente dotati dai loro creatori di un alto grado di interesse estetico.

Nota le parole in grassetto. Gli artisti "dotano intenzionalmente" il loro lavoro di significato ad alto livello. In altre parole, migliorano o arricchiscono consapevolmente. C'è l'intento sposato con l'azione.

Inteso più a fondo, l'arte non è un risultato. L'arte è un processo e il processo dell'arte trabocca di obiettività.

Non sei d'accordo? Considera i secoli di pratiche ripetibili, strumenti standardizzati, reazioni chimiche e scoperte scientifiche dovute all'art. Nella misura in cui possono esistere realtà indipendenti dalla mente (la definizione di oggettività), l'arte è oggettiva perché dipendente dal processo.

Se un ceramista cuoce un piatto senza prima averlo lasciato asciugare, esploderà.

Se un pianista mette le dita sui tasti corretti, suonerà l'accordo previsto.

Se un web designer seleziona Dingbats per il corpo del testo, gran parte del sito del suo cliente sarà illeggibile.

La cosa più importante, Miklos, è che sono per lo più d'accordo con te. L'arte, e quindi il design, è un miscuglio di oggettività e soggettività cosparsa di abbastanza ambiguità da mantenere questo dibattito tra arte e design infuriato per gli anni a venire.

Conclusione

Non è affatto chiaro se queste parole - "Cos'è l'arte?" - esprimono qualcosa come un'unica domanda, a cui vengono fornite risposte contrastanti, o se i filosofi che propongono risposte siano persino coinvolti nello stesso dibattito... La grande varietà di definizioni proposte dovrebbe darci una pausa. – Kendall Walton

Al loro livello più fondamentale, sia l'arte che il design cercano di comunicare qualcosa, e qualunque siano le differenze, o se classificate come arte fine, commerciale o applicata, al loro meglio, entrambe le forme suscitano una risposta emotiva.

È stato affermato che la differenza tra arte fine e applicata è il contesto e ha più a che fare con i giudizi di valore espressi sull'opera stessa che con qualsiasi distinzione indiscutibile tra le due discipline. Inoltre, confrontare "arte" e "design" è, sebbene uno sforzo elevato, forse donchisciottesco, poiché nessuno dei due può essere definito in modo assoluto perché sono in continua evoluzione: i confini vengono costantemente spinti e, si spera, continueranno a esserlo nel futuro. Questo dibattito, dopo tutto, è senza tempo.

Come decidiamo cos'è l'arte e cos'è il design, e perché il rapporto tra i due è così fratturato? È la differenza tra ciò che è funzionale (design) e ciò che è non funzionale (arte) che crea il dissenso? Un tavolino Noguchi o una sedia Rennie Mackintosh sono semplicemente un oggetto funzionale o è l'arte che ha una funzione?

L'architetto, artista e designer di Glasgow Charles Rennie Mackintosh è stato uno dei primi sostenitori dell'architettura integrata arte. Credeva nella pura integrazione di forma e funzione e per tutta la sua carriera ha cercato di portare avanti la teoria della "stanza come opera d'arte".

Frank Lloyd Wright credeva così fortemente nell'unità di forma e funzione che cambiò l'assioma spesso frainteso, "la forma segue la funzione" coniato dal suo mentore Louis Sullivan per leggere "forma e funzione sono una cosa sola". Il suo piano per il Guggenheim "... era quello di rendere l'edificio e i dipinti una bellissima sinfonia come non era mai esistita prima nel mondo dell'arte".

In conclusione, non è l'arte contro il design, ma l'unità dei due che è al centro di qualsiasi design superiore. In altre parole, un buon design incorpora l'art.

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