Kunst vs. Design – eine zeitlose Debatte

Verbringen Sie beliebig viel Zeit mit der Arbeit unter professionellen Designern und Sie lernen, dass die Gleichsetzung von Kunst mit Design ein todsicherer Weg ist, um den Topf zu rühren und mutige Aussagen zu hören wie:

• „Design ist keine Kunst. Design muss funktionieren.“
• „Kunst soll Gedanken und Emotionen hervorrufen, aber sie löst keine Probleme.“
• „Künstler arbeiten in erster Linie nach Instinkt, während Designer einen methodischen, datengesteuerten Prozess anwenden.“

Leider verkommt die Designer-Künstler-Diskussion oft in Schimpfen und Toben. Linien werden gezogen, Schlachtflaggen gehisst und ein produktiver Dialog wird unmöglich.

Was ist hier eigentlich los? Warum werden Kunst und Design gegeneinander ausgespielt und warum sind Designer so felsenfest davon überzeugt, dass Design keine Kunst sein kann? Diese Fragen sind der Ausgangspunkt für ein nachdenkliches Gespräch zwischen den Toptal-Designern Micah Bowers und Miklos Philips.

Bowers ist ein Markendesigner und Illustrator, der glaubt, dass Kunst viele kreative Disziplinen umfasst, Design ist eine davon, und daher ist Design Kunst.

Philips, ein UX-Designer und leitender Redakteur des Toptal Design Blogs, vertritt die Position, dass sich Kunst und Design überschneiden können, aber es sich um deutlich unterschiedliche Bereiche handelt.

Mit unseren Kandidaten im Ring ist es an der Zeit, dass die Debatte beginnt. Meine Herren, fassen Sie Handschuhe an und gehen Sie in Ihre Ecken.

Ist Design Kunst?

Micah: Design ist Kunst. Kunst ist Gestaltung. Keine Ausnahmen.

Um es klar zu sagen – ich bin mir bewusst, wie unbeliebt meine Position ist, besonders unter meinen Designkollegen. Ich war auf Vorträgen, habe Bücher gelesen, mit Kollegen gesprochen und Kurse besucht, entschlossen, die unüberbrückbaren Unterschiede zwischen Kunst und Design aufzuzeigen. Wann immer ich meine Ansichten teile, kommt die Gegenreaktion schnell und heftig, aber ich bleibe unberührt von den Gegenargumenten (viel Glück, Miklos).

Das Beharren auf einer Unterscheidung zwischen Kunst und Design war wie ein ständiges, leichtes Fieber, das mich in den letzten 15 Jahren geplagt hat – zuerst während meiner Ausbildung zum Industriedesigner, dann während meines Studiums der Bildenden Künste und bis in meine Karriere im Branding und Abbildung.

Meine Position ist: Großartiges Design ist in erster Linie Kunst. Worin wurzelt dieser Glaube? Ein philosophisches Kunstverständnis.

Die Suche nach der Definition von Kunst ist von Jahrhunderten der Debatte durchdrungen. Der griechische Philosoph Plato glaubte, dass Kunst im Wesentlichen eine Reflexion einer Reflexion dessen ist, was wirklich ist. Aber seine Ansichten sind weithin umstritten, und da wir irgendwo anfangen müssen, müssen wir ein Verständnis anstreben, das die Geschichte und die Vielfalt des globalen Denkens und der Kultur anerkennt.

Die Paraphrasierung der Stanford Encyclopedia of Philosophy führt uns hierher:

Kunst existiert und existierte in jeder bekannten menschlichen Kultur und besteht aus Objekten, Performances und Erfahrungen, die von ihren Machern absichtlich mit einem hohen Maß an ästhetischem Interesse ausgestattet wurden.

Aufgrund dieser Definition ist Design unbestreitbar Kunst. Es ist in jeder menschlichen Kultur zu finden. Es wird verwendet, um Objekte, Performances und Erfahrungen zu erstellen. Und Designer verleihen ihrer Arbeit absichtlich ein erhebliches Maß an ästhetischem Interesse.

Hier ist der unvermeidliche Schrei zu hören: „Warte! Mit einem einzigen Wort hast du dich selbst zerstört. Ästhetisch!"

Designer lieben es, in Bezug auf die Ästhetik pauschale Annahmen zu treffen, also gestatten Sie mir, eine Sicherheitsvorkehrung zu treffen.

Ähnlich wie Kunst ist das Konzept der Ästhetik ein kompliziertes Feld des philosophischen Denkens und kann nicht auf das Designerstereotyp reduziert werden, dass es bedeutet, „Dinge hübsch aussehen zu lassen“.

Tatsächlich deckt die Ästhetik viele Fragen ab, die für die Debatte „Kunst vs. Design“ wesentlich sind:

• „Ist es möglich, ein ästhetisches Urteil von einem praktischen zu unterscheiden?“
• „Auf welcher Grundlage beurteilen wir zwischen Nützlichkeit und Schönheit?“
• Und: „Wie werden die grundlegenden Überzeugungen, nach denen wir ästhetische Urteile fällen, von Zeit, Kultur und Lebenserfahrung beeinflusst?“

Hier ist mein Punkt: In der Welt des zeitgenössischen Designs wurde Kunst eng definiert und zu Unrecht auf eine erbärmliche Aquarellkarikatur reduziert. Designer haben die Bedeutung ihrer eigenen Disziplinen (die inhaltlich bis zu einem komischen Grad variieren) über Jahrhunderte der künstlerischen Praxis, der philosophischen Untersuchung und des kulturellen Verständnisses leichtfertig aufgebläht. Design ist Kunst. Kunst ist Gestaltung. Keine Ausnahmen.

Miklos: Design muss eine Funktion erfüllen. Nicht Kunst.

Zunächst müssen wir unterscheiden, um welche Art von Design es sich handelt. Ich sehe im Fall von Grafikdesign, Illustration und Branding, dass Design vielleicht etwas „Kunst“ ist, aber wenn wir über funktionaleres Design sprechen – wie digitales Produktdesign oder Industriedesign – müssen wir viel tiefer gehen, und es wird deutlich: Design ist nicht „Kunst“.

Großartiges Design ist teils Wissenschaft, teils Prozess und teils eine Reihe praktischer Lösungen mit einer Prise Ästhetik. Wenn ein Designer über die Oberfläche hinausgeht, entdeckt er unweigerlich, dass es bei großartigem Design mehr darum geht, Lösungen für Probleme zu liefern.

Design ist ein Prozess, keine Kunst.

Als UX-Designer muss ich immer tiefer graben, jenseits der Fassade, die man als potenzielles „Design“ bezeichnen könnte, und das Gesamtbild ganzheitlich betrachten: die Zielgruppe, die Anwendungsszenarien, den Kontext und das Gerät, das das Design darstellt bestimmt für: TV bis Handy, Desktops bis Tablets, Geldautomaten usw. Und wenn es um Produktdesign geht, dürfen wir die Validierung und Usability-Tests nicht vergessen. Wenn Design nur Kunst wäre, wie könnte man es testen?

Wenn es beim Design nur um Kunst ginge, was wäre dann mit Usability-Heuristiken? Sind solche UX-Usability-Konzepte wie Feedback, Konsistenz und Standards, Fehlervermeidung, Benutzerkontrolle, Flexibilität und Vorhersagbarkeit aus dem Fenster? Ist Design nicht dazu da, den Menschen zu dienen? Wenn du Künstler werden willst, sei das, aber nenne dich nicht Designer. Sei Maler oder Bildhauer.

„Es ist schön, wenn etwas funktioniert und es funktioniert intuitiv“, sagt Jonathan Ive.

Der Teil „intuitiv arbeiten“ allein kann nicht durch „Kunst“ erreicht werden; Es wird durch Benutzerforschung und -tests angetrieben. Gutes Design ist auch datengetrieben. Darüber hinaus wird KI in naher Zukunft die Art und Weise verändern, wie Design geliefert wird. Es wird super-personalisiert und vorausschauend sein. Wird Design als „Kunst“ das können? Ich glaube nicht.

Man kann nicht sagen, dass die Gestaltung der Benutzeroberfläche eines Fahrkartenautomaten „Kunst“ ist. Sicherlich spielen Ästhetik und emotionales Design eine Rolle – wie andere Artikel im Toptal Design Blog bereits erwähnt haben – denn Ästhetik spielt insofern eine Rolle im Design, als Designs mit besserer Ästhetik ein Produkt scheinbar „besser funktionieren“ lassen. Dennoch müssen die Funktion des Designs und der Nutzungskontext berücksichtigt werden.

In Don Normans bahnbrechendem Buch „The Design of Everyday Things“ spricht er beispielsweise über Design und das Konzept der Erschwinglichkeit. (Das Konzept der Erschwinglichkeit wurde vom Wahrnehmungspsychologen James J. Gibson in seinem bahnbrechenden Buch The Ecological Approach to Visual Perception geprägt.) Norman schreibt:

Affordances geben starke Hinweise auf die Funktionsweise der Dinge. Platten sind zum Schieben da. Knöpfe sind zum drehen da. Schlitze dienen zum Einstecken von Gegenständen. Griffe sind zum Anheben. Bälle sind zum Werfen oder Springen da. Wenn Angebote genutzt werden, weiß der Benutzer, was zu tun ist, indem er einfach hinschaut: kein Bild, Etikett oder Anleitung erforderlich.

Angebote sind also „wahrgenommene Eigenschaften“ einer Funktion im Design und müssen dem Benutzer mit „Signifikatoren“ signalisiert werden, die dem Benutzer Hinweise auf die Existenz einer möglichen Interaktion geben. Ich weiß nicht, wie man die Konzepte von Erschwinglichkeiten und Signifikanten mit „Kunst“ verbinden würde. Sie sind wesentliche Interaktionsdesignkonzepte im Bereich der HCI (Human-Computer Interaction). Mit Kunst haben sie nichts zu tun.

Als UX-Designer lehne ich die Vorstellung ab. Können Sie sich einen Fahrkartenautomaten im kubistischen Stil von Picasso vorstellen? Ich sage nicht, dass es nicht interessant wäre, aber es wäre nicht sehr effektiv oder funktional.

Was ist gutes Design?

Micah: Kunst löst Probleme. „Gutes Design“ ist nur ein Weg zur Lösung.

Ein Fahrkartenautomat in Picassos Kubismus? Nun , das wäre gutes Design! Ich kann mir die Hände eines fähigen Künstlers vorstellen, der die stilistische Dissonanz des Kubismus in eine klar definierte visuelle Hierarchie einsetzt, die die Benutzer mit eindeutigen Interaktionspunkten erfreut. Endlich könnten wir uns von den langweiligen und verwirrenden Knopfschreinen verabschieden, an die wir uns alle gewöhnt haben.

Interessanterweise ist eine solche Idee nicht ohne Präzedenzfall. In Städten auf der ganzen Welt wurden öffentliche Kunstinstallationen eingesetzt, um Erfahrungen zu verbessern, die zuvor übersehen oder durch das Design durcheinander gebracht wurden. Der Van-Gogh-Pfad, geschaffen vom holländischen Künstler Daan Roosegaarde, ist ein perfektes Beispiel.

Inspiriert von Van Goghs Sternennacht führt der Weg durch Nuenen, NL (eine Stadt, in der der Künstler in den 1880er Jahren lebte) und besteht aus Tausenden kleiner bemalter Felsen, die tagsüber Energie von der Sonne einfangen und nachts leuchten.

Wenn das alles das Projekt umfasste, wäre es kaum mehr als ein netter Lichteffekt, aber der Umfang von Roosegaardes künstlerischer Vision ist viel größer. Van Gogh Path ist ein Proof of Concept innerhalb eines größeren Projekts namens SMART HIGHWAY, einer ehrgeizigen Anstrengung, die darauf abzielt, die niederländische Landschaft durch die Implementierung eines nachhaltigen Systems leuchtender, interaktiver Straßen neu zu erfinden.

Das wegnehmen? Kunst und Künstler haben die Fähigkeit, wesentliche Probleme zu lösen.

Das Lösen von Problemen erfordert Wissen, Erfahrung, Können, Recherche, Risiken und ein Verständnis für menschliches Verhalten, aber leider erkennen viele Designer nicht, dass Künstler in ihrer Arbeit Methoden zur Problemlösung anwenden – obwohl Künstler seit Jahrhunderten systematisch nach kreativen Lösungen suchen , lange bevor die Unterscheidung „Designer“ in Mode war.

Benötigen Sie einen Beweis?

Wieder blicken wir auf einen niederländischen Künstler, den Meister des Lichts und Maler des Mädchens mit dem Perlenohrgehänge , Johannes Vermeer. Vermeer lebte in der Mitte des 17. Jahrhunderts, erlebte bescheidenen Erfolg als Maler und starb unter einem Berg von Schulden. Fast zwei Jahrhunderte nach seinem Tod wurde Vermeers Werk jedoch wiederentdeckt und sein Ansehen als einer der größten Maler aller Zeiten festigte sich in den Annalen der Kunstgeschichte.

Aber etwas Seltsames geschah. Je mehr Menschen Vermeer und seine Arbeit studierten, desto mehr erkannten sie, dass seine Gemälde und sein Prozess wirklich anders waren als die anderer Künstler. Wieso das?

• Vermeer hatte keine formale künstlerische Ausbildung und absolvierte offenbar keine Malerlehre.
• Sein Werk ist recht klein und besteht aus weniger als 50 Gemälden.
• Er hatte nie eigene Schüler oder Lehrlinge.
• Fast alle Gemälde von Vermeer wurden in einem von zwei Räumen in seinem Haus inszeniert.
• Es gibt keine überlebenden vorbereitenden Zeichnungen oder Skizzen, die Vermeer zugeschrieben werden.
• Röntgenaufnahmen von Vermeers Gemälden zeigen keine Unterzeichnungen oder Kompositionskorrekturen.
• Seine Bilder enthalten Licht- und Perspektivverzerrungen, die nur durch künstliche Linsen zu sehen sind.
• Und schließlich war Vermeer ein enger Freund von Antonie van Leeuwenhoek, einem niederländischen Wissenschaftler, der für seine bahnbrechenden Arbeiten auf dem Gebiet der Linsenherstellung und Mikroskopie bekannt ist.

Was bedeutet das alles? Vermeer verwendete wahrscheinlich eine fortschrittliche und noch unbekannte Form der Camera Obscura, um seine Meisterwerke zu schaffen. Dies ist eine umstrittene Theorie, aber es gibt zahlreiche Beweise aus mehreren Quellen, die eine solche Behauptung stützen.

Inwiefern ist es relevant für unsere Debatte? Vermeer erfand einen Apparat und ein Verfahren, das über 350 Jahre lang unentdeckt und nicht dupliziert blieb und es ihm ermöglichte, ohne formelle Ausbildung einige der ikonischsten und technisch exquisitesten Gemälde der Welt zu schaffen. Das ist der Gipfel der Problemlösung.

Design ist eine Kunstform, eine Methode des menschlichen Ausdrucks, die einem System hochentwickelter Verfahren folgt, um Objekten, Performances und Erfahrungen Bedeutung zu verleihen. Wie alle Kunstformen hat Design das Potenzial, Probleme zu lösen, aber es gibt keine Garantie dafür.

Mehr als alles andere möchte ich, dass Designer erkennen, dass Kunst keine blöde Subkultur des Designs ist, die sich damit beschäftigt, ihre Gefühle mit dem Finger zu malen. Tatsächlich ist eine geringe Sicht auf Kunst auch eine geringe Sicht auf Design, Wissenschaft, Geschichte und Kultur, die das kreative Potenzial und den interdisziplinären Fortschritt stark einschränkt.

Am Ende des Tages löst Kunst Probleme. „Gutes Design“ ist nur ein Weg zur Lösung.

Miklos: Gutes Design ist unvoreingenommen und liefert, was die Menschen brauchen.

Beachten Sie, dass ich nicht „was die Leute wollen“ gesagt habe, wie der Rolling Stones-Song, der sagt: „Du kannst nicht immer bekommen, was du willst … du bekommst, was du brauchst.“ Die Leute wissen nicht immer, was sie wollen, es liegt an den Designern, genau herauszufinden, was sie brauchen.

Übrigens, wie lösen Gemälde Probleme? Ich sehe das nicht.

Gutes Design ist bis zu einem gewissen Grad subjektiv, aber meiner Ansicht nach wird „gutes Design“ in einem iterativen Designprozess mit vielen Validierungen/Tests auf dem Weg herausgefunden. Es ist „Design Thinking“. Es gibt es schon seit Jahrzehnten. Es ist etwas, das einfach funktioniert, wo die Dinge auf die richtige Weise, zur richtigen Zeit und im richtigen Moment zusammenkommen.

Gutes Design hat definitiv nicht nur mit Kunst oder Ästhetik zu tun. Das ist nur die Oberfläche. Gutes Design sollte anhand mehrerer Faktoren beurteilt werden, wie z. B. der beabsichtigten Benutzerbasis, der Umgebung, dem Nutzungskontext, dem Medium und dem Gerät, auf dem es erscheinen soll. Im Fall eines Fahrkartenautomaten beispielsweise spielt die Ästhetik möglicherweise keine so große Rolle – die Menschen müssen Dinge erledigen und die Dinge müssen nur für sie funktionieren. Es muss super funktional, schnell und effizient sein.

Gutes Design ist für mich ein Design, das auf die richtige Weise zwischen Ästhetik und Interaktionsdesign ausbalanciert ist. Um beim Beispiel Fahrkartenautomat zu bleiben, in diesem Szenario ist die „Optik“ weniger wichtig und sollte den angemessenen Anteil an Bedeutung auf der Waage einnehmen, während die Usability und das Interaktionsdesign (Functional Design) den größeren einnehmen sollten Anteil.

Wir könnten auch „gutes Design“ und „schlechtes Design“ gegenüberstellen. Schlechtes Design ist Chaos. Es ist Unordnung. Es kann frustrierend oder nervig sein. Es verlangsamt die Menschen und erschöpft sie emotional. Es kann tatsächlich hässlich oder einfach unauffällig sein und daher keiner Aufmerksamkeit wert sein. Für Ihr Publikum ist schlechtes Design eher ein Hindernis als eine Ermächtigung.

Ist Design subjektiv oder objektiv?

Miklos: Es ist eine Mischung aus beidem in unterschiedlichen Anteilen.

Kunst und Design sind untrennbar miteinander verbunden. Ich betrachte Design als ein ganzheitliches Unterfangen, das „Kunst“ einschließt. Design ist sowohl subjektiv als auch objektiv, sollte aber in erster Linie objektiv sein. Eine angemessene Designobjektivität wird durch Benutzerforschung (Definition der Zielbenutzerbasis, Kennenlernen der Benutzer des Produkts, Beobachtung des Nutzungskontexts), Durcharbeiten der wesentlichen Schritte eines benutzerzentrierten Designprozesses (UCD) und Benutzertests erreicht.

Ein Design kann dem Kopf eines brillanten Designers entspringen, aber sein praktischer Nutzen muss noch validiert werden. Wenn Design nur subjektiv wäre, wären keine Usability-Tests erforderlich (was den Designer höchstwahrscheinlich verärgern würde, weil er feststellen würde, dass das Design nicht funktioniert). Das Design würde von einer Person kommen, was für mich eine lächerliche, rückständige Idee ist. Designer, die zu 100 % subjektiv sind, sind arrogant.

Allerdings kommt ein kleiner Prozentsatz der Subjektivität ins Spiel – Ästhetik spielt eine Rolle, und hier findet vielleicht emotionales Design statt. Dies ist der Schritt, bei dem die Sensibilität, „Kunst“ und Subjektivität des Designers in den Vordergrund gerückt werden. Großartige Designer „verkleiden“ oder „verkleiden“ das zugrunde liegende funktionale Design, um etwas zu schaffen, das auf allen emotionalen Ebenen funktioniert – viszeral, verhaltensmäßig und reflektierend –, um ein Produkt mit erstaunlicher UX zu liefern.

Einige Designer glauben, dass gutes Design objektiv sein muss . Das glaube ich nicht. In den Entwürfen von Starck oder Jonathan Ive steckt ein Hauch von Genialität. Sie bringen eine Prise Subjektivität in ihre Designs, die mit Geschmack zu tun hat. Eine der größten Beleidigungen von Steve Jobs war es, jemandem Geschmacklosigkeit vorzuwerfen.

Micah: Kunst und all ihre Disziplinen (einschließlich Design) verbinden Objektivität und Subjektivität.

Ich bin mir nicht sicher, wie es passiert ist, Miklos, aber es sieht so aus, als hätten wir eine Art Gemeinsamkeit gefunden, und ich bin angenehm überrascht.

Kunst und all ihre Disziplinen, einschließlich Design, erfordern eine Mischung aus Objektivität und Subjektivität. Natürlich wird es Designer geben, die mit den Augen rollen und erklären: „Kunst ist rein subjektiv. Es kann für verschiedene Menschen unterschiedliche Dinge bedeuten.“ Der offensichtliche Kontrapunkt? „Das Gleiche gilt für Design!“

Aber schauen wir genauer hin.

Wenn Designer behaupten, dass Kunst subjektiv sein muss, beziehen sie sich normalerweise auf die Art und Weise, wie Menschen das Ergebnis der Bemühungen eines Künstlers beurteilen. Diese Art, über Kunst nachzudenken, legt höchsten Wert auf Ergebnisse. Mit anderen Worten, Kunst ist gleichbedeutend mit Objekten, Performances und Erfahrungen. Kunst ist ein Gemälde. Kunst ist ein Tanz. Kunst ist eine Lichtshow.

So gesehen ist Kunst subjektiv. Ich finde American Gothic gruselig, aber du findest es inspirierend. Ich finde einen Eames Chair edel, aber man empfindet ihn als kitschig. Ich finde die WhatsApp-Oberfläche verwirrend, aber Sie haben noch nie etwas Eleganteres gesehen. Kunst ist ein Ergebnis, Ergebnisse sind interpretierbar und jeder hat Recht!

Glücklicherweise ist die Definition von Kunst, die ich zu Beginn dieser Debatte vorgeschlagen habe, nuancierter, also frischen wir unsere Erinnerungen auf:

Kunst existiert und existierte in jeder bekannten menschlichen Kultur und besteht aus Objekten, Performances und Erfahrungen, die von ihren Machern absichtlich mit einem hohen Maß an ästhetischem Interesse ausgestattet wurden.

Beachten Sie die fettgedruckten Wörter. Künstler geben ihrer Arbeit in hohem Maße „absichtlich eine Bedeutung“. Mit anderen Worten, sie verbessern oder bereichern bewusst. Es gibt eine Absicht, die mit der Handlung verbunden ist.

Genauer verstanden ist Kunst kein Ergebnis. Kunst ist ein Prozess, und der Prozess der Kunst strotzt vor Objektivität.

Nicht einverstanden? Denken Sie an die Jahrhunderte wiederholbarer Praktiken, standardisierter Werkzeuge, chemischer Reaktionen und wissenschaftlicher Entdeckungen, die der Kunst zu verdanken sind. In dem Maße, in dem es Realitäten geben kann, die vom Verstand unabhängig sind (die Definition von Objektivität), ist Kunst objektiv, weil sie prozessabhängig ist.

Wenn ein Keramikkünstler eine Schale brennt, ohne sie vorher trocknen zu lassen, wird sie explodieren.

Wenn eine Pianistin ihre Finger auf die richtigen Tasten legt, spielt sie den beabsichtigten Akkord.

Wenn ein Webdesigner Dingbats als Haupttext auswählt, sind große Teile der Website seines Kunden unleserlich.

Der große Vorteil, Miklos, ist, dass ich Ihnen größtenteils zustimme. Kunst, und damit auch Design, ist eine Mischung aus Objektivität und Subjektivität, gesprenkelt mit genügend Mehrdeutigkeit, um diese Debatte zwischen Kunst und Design noch Jahre in Gang zu halten.

Fazit

Es ist überhaupt nicht klar, ob diese Worte – „Was ist Kunst?“ – so etwas wie eine einzige Frage ausdrücken, auf die konkurrierende Antworten gegeben werden, oder ob Philosophen, die Antworten vorschlagen, überhaupt an derselben Debatte beteiligt sind … Die schiere Vielfalt der vorgeschlagenen Definitionen sollte uns zu denken geben. – Kendall Walton

Auf ihrer grundlegendsten Ebene versuchen sowohl Kunst als auch Design, etwas zu kommunizieren, und unabhängig von den Unterschieden, ob sie als bildende, kommerzielle oder angewandte Kunst klassifiziert werden – im besten Fall rufen beide Formen eine emotionale Reaktion hervor.

Es wurde argumentiert, dass der Unterschied zwischen bildender und angewandter Kunst im Kontext liegt und mehr mit Werturteilen über die Arbeit selbst zu tun hat als mit einer unbestreitbaren Unterscheidung zwischen den beiden Disziplinen. Darüber hinaus ist der Vergleich von „Kunst“ und „Design“ zwar ein erhabenes Unterfangen, aber vielleicht ein weltfremdes, da beide nicht absolut definiert werden können, weil sie sich ständig ändern – Grenzen werden ständig verschoben und werden es hoffentlich auch in Zukunft bleiben. Diese Debatte ist schließlich zeitlos.

Wie entscheiden wir, was Kunst und was Design ist, und warum ist die Beziehung zwischen beiden so zerrüttet? Ist es der Unterschied zwischen dem, was funktional ist (Design) und dem, was nicht funktional ist (Kunst), der die Meinungsverschiedenheiten auslöst? Ist ein Noguchi-Couchtisch oder ein Rennie-Mackintosh-Stuhl nur ein funktionales Objekt oder ist es Kunst, die zufällig eine Funktion hat?

Der Glasgower Architekt, Künstler und Designer Charles Rennie Mackintosh war einer der ersten Befürworter einer integrierten Kunstarchitektur. Er glaubte an die reine Integration von Form und Funktion und versuchte während seiner gesamten Karriere, die Theorie „des Raums als Kunstwerk“ voranzubringen.

Frank Lloyd Wright glaubte so stark an die Einheit von Form und Funktion, dass er das oft missverstandene Axiom „Form folgt Funktion“, das von seinem Mentor Louis Sullivan geprägt wurde, in „Form und Funktion sind eins“ änderte. Sein Plan für das Guggenheim „… war es, das Gebäude und die Gemälde zu einer wunderschönen Symphonie zu machen, wie es sie in der Welt der Kunst noch nie gegeben hat.“

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass es nicht Kunst gegen Design ist, sondern die Einheit der beiden, die den Kern jedes überlegenen Designs ausmacht. Mit anderen Worten, gutes Design beinhaltet Kunst.

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Weiterführende Literatur im Toptal Design Blog:

• eCommerce UX – Best Practices im Überblick (mit Infografik)
• Die Bedeutung von Human-Centered Design im Produktdesign
• Die besten UX-Designer-Portfolios – inspirierende Fallstudien und Beispiele
• Heuristische Prinzipien für mobile Schnittstellen
• Antizipatorisches Design: Wie man magische Benutzererlebnisse schafft