Sztuka kontra design – ponadczasowa debata

Poświęć dowolną ilość czasu na pracę wśród profesjonalnych projektantów, a dowiesz się, że utożsamianie sztuki z projektowaniem to niezawodny sposób na zamieszanie w garnku i usłyszenie śmiałych stwierdzeń, takich jak:

• „Projektowanie nie jest sztuką. Design musi funkcjonować”.
• „Sztuka ma prowokować myśli i emocje, ale nie rozwiązuje problemów”.
• „Artyści pracują przede wszystkim instynktownie, podczas gdy projektanci stosują metodyczny, oparty na danych proces”.

Niestety, dyskusja między projektantem a artystą często przeradza się w tyradę i bredzenie. Wytyczane są granice, podnoszone flagi bitewne, a produktywny dialog staje się niemożliwy.

Co się tu naprawdę dzieje? Dlaczego sztuka i design zostały zestawione przeciwko sobie i dlaczego projektanci są tak nieugięci, że design nie może być sztuką? Te pytania są punktem wyjścia do przemyślanej rozmowy między projektantami Toptal, Micahem Bowersem i Miklosem Philipsem.

Bowers jest projektantem marki i ilustratorem, który wierzy, że sztuka obejmuje wiele kreatywnych dyscyplin, projektowanie jest jedną z nich, a zatem projektowanie jest sztuką.

Philips, projektant UX i główny redaktor bloga Toptal Design, stoi na stanowisku, że sztuka i design mogą się krzyżować, ale są to wyraźnie różne dziedziny.

Z naszymi zawodnikami na ringu czas na rozpoczęcie debaty. Panowie dotykajcie rękawiczek i idźcie w kąty.

Czy projekt jest sztuką?

Micah: Design to sztuka. Sztuka to projektowanie. Bez wyjątków.

Postawmy sprawę jasno — zdaję sobie sprawę z tego, jak niepopularna jest moja pozycja, zwłaszcza wśród moich kolegów projektantów. Chodziłam na rozmowy, czytałam książki, rozmawiałam z kolegami i brałam udział w zajęciach, których celem było ustalenie niemożliwych do pogodzenia różnic między sztuką a designem. Za każdym razem, gdy podzielam moje poglądy, reakcja jest szybka i gwałtowna, ale nie wzruszam się kontrargumentami (powodzenia, Miklos).

Naleganie na rozróżnienie między sztuką a designem było jak ciągła gorączka niskiego stopnia, która dręczyła mnie przez ostatnie 15 lat – najpierw przez moje szkolenie w zakresie projektowania przemysłowego, potem podczas studiów magisterskich ze sztuk pięknych, a następnie w mojej karierze w brandingu i ilustracji.

Moje stanowisko jest takie: Świetny design to przede wszystkim sztuka. W czym zakorzenione jest to przekonanie? Filozoficzne rozumienie sztuki.

Dążenie do zdefiniowania sztuki jest przesiąknięte wielowiekową debatą. Grecki filozof Platon uważał, że sztuka jest zasadniczo odbiciem odbicia tego, co jest rzeczywiste. Jednak jego poglądy są szeroko kwestionowane, a ponieważ musimy od czegoś zacząć, musimy dążyć do zrozumienia, które uwzględnia historię oraz różnorodność globalnej myśli i kultury.

Parafrazując Stanford Encyclopedia of Philosophy prowadzi nas tutaj:

Sztuka istnieje i istniała w każdej znanej kulturze ludzkiej i składa się z przedmiotów, przedstawień i doświadczeń, które są celowo obdarzone przez ich twórców wysokim stopniem zainteresowania estetycznego.

Na mocy tej definicji projektowanie jest niezaprzeczalnie sztuką. Można go znaleźć w każdej ludzkiej kulturze. Służy do tworzenia obiektów, performansów i doświadczeń. A projektanci celowo zaszczepiają w swoich pracach znaczne zainteresowanie estetyczne.

Tutaj słychać nieuniknione wołanie: „Czekaj! Zniszczyłeś się jednym słowem. Estetyka!"

Projektanci uwielbiają wysuwać daleko idące założenia dotyczące estetyki, więc pozwólcie, że zbuduję zabezpieczenie.

Podobnie jak sztuka, pojęcie estetyki jest skomplikowaną dziedziną myśli filozoficznej i nie da się sprowadzić do stereotypu projektanta, który oznacza „nadrabianie rzeczy ładnymi”.

W rzeczywistości estetyka obejmuje wiele pytań, które są kluczowe w debacie „sztuka kontra design”:

• „Czy można odróżnić sąd estetyczny od sądu praktycznego?”
• „Jaka jest podstawa, według której oceniamy użyteczność i piękno?”
• Oraz: „Jak na fundamentalne przekonania, za pomocą których dokonujemy ocen estetycznych, wpływa czas, kultura i doświadczenie życiowe?”

Oto moja uwaga: w świecie współczesnego designu sztuka została wąsko zdefiniowana i niesłusznie pomniejszona w żałosną, akwarelową karykaturę. Projektanci przez wieki praktyki artystycznej, dociekań filozoficznych i rozumienia kulturowego lekkomyślnie wyolbrzymiali znaczenie swoich własnych dyscyplin (które różnią się istotą w stopniu komicznym). Design to sztuka. Sztuka to projektowanie. Bez wyjątków.

Miklos: Design musi spełniać funkcję. Nie sztuka.

Przede wszystkim musimy oddzielić rodzaj projektu, o którym mówimy. Widzę, że w przypadku projektowania graficznego, ilustracji i brandingu projektowanie jest trochę „sztuką”, ale jeśli mówimy o projektowaniu bardziej funkcjonalnym – takim jak projektowanie produktów cyfrowych lub wzornictwo przemysłowe – musimy pójść znacznie głębiej, i staje się jasne: dizajn nie jest „sztuką”.

Świetny projekt to po części nauka, po części proces, a po części praktyczny zestaw rozwiązań z odrobiną estetyki. Wychodząc poza powierzchnię, projektant nieuchronnie odkrywa, że ​​świetny projekt polega bardziej na dostarczaniu rozwiązań problemów.

Design to proces, a nie sztuka.

Jako projektant UX zawsze muszę sięgnąć głębiej, poza fasadę, którą można nazwać potencjalnym „projektem” i spojrzeć na szerszy obraz całościowo: docelową grupę odbiorców, scenariusze przypadków użycia, kontekst i urządzenie, na którym projekt jest przeznaczone do: telewizora na telefon, desktopa na tablet, do bankomatu itp. A jeśli chodzi o projektowanie produktu, nie zapominajmy o walidacji i testowaniu użyteczności. Gdyby design był tylko sztuką, jak mógłbyś go przetestować?

Jeśli projektowanie dotyczyłoby wyłącznie sztuki, co z heurystykami użyteczności? Czy takie koncepcje użyteczności UX, jak informacje zwrotne, spójność i standardy, zapobieganie błędom, kontrola użytkownika, elastyczność i przewidywalność, są przez okno? Czy design nie ma służyć ludziom? Jeśli chcesz być artystą, bądź takim, ale nie nazywaj siebie projektantem. Bądź malarzem lub rzeźbiarzem.

„Piękno jest, gdy coś działa i działa intuicyjnie” — mówi Jonathan Ive.

Sama część „działanie intuicyjnie” nie może zostać osiągnięta przez „sztukę”; jest napędzany badaniami i testami użytkowników. Dobry projekt jest również oparty na danych. Co więcej, w niedalekiej przyszłości sztuczna inteligencja zmieni sposób dostarczania projektów. Będzie superspersonalizowany i przewidujący. Czy dizajn jako „sztuka” będzie w stanie to zrobić? Nie sądzę.

Nie można powiedzieć, że projektowanie interfejsu użytkownika automatu biletowego to „sztuka”. Z pewnością w grę wchodzą estetyka i projektowanie emocjonalne – jak wspomniano wcześniej w innych artykułach na blogu Toptal Design Blog – ponieważ estetyka odgrywa rolę w projektowaniu do tego stopnia, że ​​projekty o lepszej estetyce sprawiają, że produkt wydaje się „lepiej działać”. Jednak nadal należy wziąć pod uwagę funkcję projektu i kontekst użytkowania.

Na przykład w przełomowej książce Don Normana „The Design of Everyday Things” mówi o projektowaniu i koncepcji afordancji. (Pojęcie afordancji zostało ukute przez psychologa percepcji Jamesa J. Gibsona w jego przełomowej książce The Ecological Approach to Visual Perception ). Norman pisze:

Afordancje dostarczają mocnych wskazówek dotyczących działania rzeczy. Talerze służą do pchania. Pokrętła służą do obracania. Gniazda służą do wkładania rzeczy. Uchwyty służą do podnoszenia. Piłki służą do rzucania lub odbijania. Kiedy wykorzystuje się afordancje, użytkownik wie, co zrobić, po prostu patrząc: nie jest potrzebny żaden obraz, etykieta ani instrukcja.

Afordancje są więc „postrzeganymi właściwościami” funkcji w projektowaniu i muszą być sygnalizowane użytkownikowi za pomocą „znaczników”, które dostarczają mu wskazówek o istnieniu możliwej interakcji. Nie wiem, jak można by połączyć pojęcia afordancji i elementów znaczących ze „sztuką”. Są to podstawowe koncepcje projektowania interakcji w dziedzinie HCI (interakcja człowiek-komputer). Nie mają nic wspólnego ze sztuką.

Jako projektant UX odrzucam to pojęcie. Chodzi mi o to, czy możesz sobie wyobrazić automat biletowy zaprojektowany w stylu kubistycznym przez Picassa? Nie mówię, że nie byłoby to interesujące, ale nie byłoby to bardzo skuteczne ani funkcjonalne.

Czym jest dobry projekt?

Micah: Sztuka rozwiązuje problemy. „Dobry projekt” to po prostu jedna droga do rozwiązania.

Automat biletowy w kubizmie Picassa? To byłby dobry projekt! Wyobrażam sobie ręce zdolnego artysty, wykorzystującego dysonans stylistyczny kubizmu w jasno określoną wizualną hierarchię, która zachwyca użytkowników jednoznacznymi punktami interakcji. Na koniec możemy pożegnać się z mdłymi i mylącymi kapliczkami guzików, do których wszyscy się przyzwyczailiśmy.

Co ciekawe, taki pomysł nie jest bezprecedensowy. W miastach i miasteczkach na całym świecie publiczne instalacje artystyczne są wykorzystywane do ulepszania doświadczeń, które wcześniej były pomijane lub pomieszane przez projekt. Ścieżka Van Gogha, stworzona przez holenderskiego artystę Daana Roosegaarde, jest tego doskonałym przykładem.

Zainspirowana Gwiaździstą Nocą Van Gogha ścieżka biegnie przez Nuenen w Holandii (miasto, w którym artysta mieszkał w latach 80. XIX wieku) i składa się z tysięcy małych, malowanych kamieni, które w ciągu dnia wychwytują energię słoneczną i rozświetlają się w nocy.

Gdyby to wszystko obejmowało projekt, byłby to niewiele więcej niż ładny efekt świetlny, ale zakres artystycznej wizji Roosegaarde jest znacznie szerszy. Van Gogh Path jest dowodem koncepcji w ramach większego projektu o nazwie SMART HIGHWAY, ambitnego przedsięwzięcia, którego celem jest odświeżenie holenderskiego krajobrazu poprzez wdrożenie zrównoważonego systemu świecących, interaktywnych dróg.

Na wynos? Sztuka i artyści mają umiejętność rozwiązywania istotnych problemów.

Rozwiązywanie problemów wymaga wiedzy, doświadczenia, umiejętności, badań, ryzyka i zrozumienia ludzkich zachowań, ale niestety wielu projektantów nie zdaje sobie sprawy, że artyści stosują w swojej pracy metodologię rozwiązywania problemów – mimo że artyści od wieków systematycznie poszukują twórczych rozwiązań , na długo zanim wyróżnienie „projektant” stało się modne.

Potrzebujesz dowodu?

Ponownie zwracamy się do holenderskiego artysty, mistrza światła i malarza Dziewczyny z perłą , Johannesa Vermeera. Vermeer żył w połowie XVII wieku, odniósł skromny sukces jako malarz i zmarł pod górą długów. Jednak prawie dwa wieki po jego śmierci dzieło Vermeera zostało ponownie odkryte, a jego pozycja jako jednego z wielkich malarzy wszechczasów została utrwalona w annałach historii sztuki.

Ale wydarzyła się dziwna rzecz. Im więcej ludzi studiowało Vermeera i jego prace, tym bardziej uświadamiali sobie, że jego obrazy i procesy są naprawdę niepodobne do żadnego innego artysty. Jak to?

• Vermeer nie miał formalnego wykształcenia artystycznego i najwyraźniej nie odbył praktyki malarskiej.
• Jego dorobek jest dość niewielki, składa się z mniej niż 50 obrazów.
• Nigdy nie miał własnych uczniów ani praktykantów.
• Prawie wszystkie obrazy Vermeera zostały wystawione w jednym z dwóch pokoi w jego domu.
• Nie zachowały się żadne rysunki przygotowawcze ani szkice przypisywane Vermeerowi.
• Prześwietlenia obrazów Vermeera nie ujawniają żadnych podrysów ani poprawek kompozycyjnych.
• Jego obrazy zawierają zniekształcenia światła i perspektywy, które można zobaczyć tylko przez soczewki wykonane przez człowieka.
• I wreszcie, Vermeer był bliskim przyjacielem Antoniego van Leeuwenhoeka, holenderskiego naukowca znanego z pionierskiej pracy w dziedzinie produkcji soczewek i mikroskopii.

Co to wszystko znaczy? Vermeer prawdopodobnie wykorzystał zaawansowaną i wciąż nieznaną formę camera obscura, aby stworzyć swoje arcydzieła. Jest to kontrowersyjna teoria, ale istnieje wiele dowodów z wielu źródeł na poparcie takiego twierdzenia.

Jakie to ma znaczenie dla naszej debaty? Vermeer wynalazł aparat i proces, który pozostawał niewykryty i nie powielany przez ponad 350 lat, i pozwolił mu stworzyć jedne z najbardziej kultowych i technicznie znakomitych obrazów bez żadnego formalnego szkolenia. To jest szczyt rozwiązywania problemów.

Design to forma sztuki, metoda ludzkiej ekspresji, która podąża za systemem wysoce rozwiniętych procedur w celu nadania znaczenia przedmiotom, występom i doświadczeniom. Jak wszystkie formy sztuki, projektowanie może rozwiązywać problemy, ale nie ma gwarancji, że tak się stanie.

Przede wszystkim chcę, aby projektanci zdali sobie sprawę, że sztuka nie jest idiotyczną subkulturą projektowania, która odrzuca zaabsorbowane malowaniem palcami swoich uczuć. W rzeczywistości niski pogląd na sztukę to także niski pogląd na projektowanie, naukę, historię i kulturę, co poważnie ogranicza potencjał twórczy i interdyscyplinarny postęp.

W końcu sztuka rozwiązuje problemy. „Dobry projekt” to po prostu jedna droga do rozwiązania.

Miklos: Dobry projekt jest bezstronny i zapewnia to, czego ludzie potrzebują.

Zauważ, że nie powiedziałem „czego ludzie chcą”, jak w piosence Rolling Stones, która mówi: „Nie zawsze możesz dostać to, czego chcesz… dostajesz to, czego potrzebujesz”. Ludzie nie zawsze wiedzą, czego chcą, to projektanci muszą dokładnie określić, czego potrzebują.

Swoją drogą, jak obrazy rozwiązują problemy? Nie widzę tego.

Dobry projekt jest do pewnego stopnia subiektywny, ale moim zdaniem „dobry projekt” powstaje po drodze w iteracyjnym procesie projektowania z dużą ilością walidacji/testów. To „myślenie projektowe”. To już od dziesięcioleci. To coś, co po prostu działa, gdy rzeczy łączą się we właściwy sposób, we właściwym czasie, we właściwym momencie.

Dobry design to zdecydowanie nie tylko sztuka czy estetyka. To tylko powierzchnia. Dobry projekt należy oceniać na podstawie kilku czynników, takich jak zamierzona baza użytkowników, środowisko, kontekst użytkowania, medium i urządzenie, na którym ma się pojawić. Na przykład w przypadku automatu biletowego estetyka może nie mieć większego znaczenia – ludzie muszą robić rzeczy, a rzeczy po prostu muszą dla nich pracować. Musi być super funkcjonalny, szybki i wydajny.

Moim zdaniem dobry projekt to projekt, który jest odpowiednio wyważony między estetyką a projektowaniem interakcji. Aby dalej korzystać z przykładu automatu biletowego, w tym scenariuszu „wygląd” jest mniej ważny i powinien zająć odpowiednią część pod względem ważności na skali bilansowania, a projektowanie użyteczności i interakcji (projekt funkcjonalny) powinien zająć większą część. proporcja.

Możemy również przeciwstawić „dobry projekt” i „zły projekt”. Zły projekt to pandemonium. To jest nieporządek. Może to być frustrujące lub denerwujące. Spowalnia ludzi i wyczerpuje ich emocjonalnie. W rzeczywistości może być brzydki lub po prostu nijaki, a zatem nie wart niczyjej uwagi. Dla twoich odbiorców zły projekt jest przeszkodą, a nie wzmocnieniem.

Czy projekt jest subiektywny czy obiektywny?

Miklos: To mieszanka obu w różnych proporcjach.

Sztuka i design są nierozerwalnie połączone. Uważam projektowanie za holistyczne przedsięwzięcie, które obejmuje „sztukę”. Projekt jest zarówno subiektywny, jak i obiektywny, ale powinien być przede wszystkim obiektywny . Właściwą obiektywność projektu osiąga się poprzez badania użytkowników (określanie docelowej bazy użytkowników, poznawanie użytkowników produktu, obserwowanie kontekstu użycia), pracę nad podstawowymi etapami procesu projektowania zorientowanego na użytkownika (UCD) i testowanie użytkowników.

Projekt może powstać w umyśle genialnego projektanta, ale jego praktyczne zastosowanie nadal wymaga potwierdzenia. Gdyby projekt był tylko subiektywny, nie byłoby potrzeby testowania użyteczności (co najprawdopodobniej zdenerwowałoby projektanta, ponieważ stwierdziłby, że projekt nie działa). Projekt pochodziłby od jednej osoby, co dla mnie jest absurdalnym, zacofanym pomysłem. Projektanci, którzy są w 100% subiektywni, są aroganccy.

Jednak w grę wchodzi niewielki procent subiektywności — estetyka odgrywa rolę i być może właśnie tutaj dzieje się projekt emocjonalny. Na tym etapie na pierwszy plan wysuwa się wrażliwość projektanta, „sztuka” i podmiotowość. Wielcy projektanci „ubierają się” lub „nakładają fasadę” na podstawowy projekt funkcjonalny, aby stworzyć coś, co działa na wszystkich poziomach emocjonalnych – instynktownym, behawioralnym i refleksyjnym – aby dostarczyć produkt z niesamowitym UX.

Niektórzy projektanci uważają, że dobry projekt musi być obiektywny. Nie wierzę w to. W projektach Starcka czy Jonathana Ive jest odrobina geniuszu. Wnoszą do swoich projektów odrobinę subiektywności, która ma związek ze smakiem. Jedną z największych obelg Steve'a Jobsa było oskarżenie kogoś o brak gustu.

Micah: Sztuka i wszystkie jej dyscypliny (w tym projektowanie) łączą w sobie obiektywność i subiektywność.

Nie jestem pewien, jak to się stało, Miklos, ale wygląda na to, że znaleźliśmy jakiś wspólny język i jestem mile zaskoczony.

Sztuka i wszystkie jej dyscypliny, w tym projektowanie, wymagają połączenia obiektywności i subiektywności. Oczywiście znajdą się projektanci, którzy przewracają oczami i deklarują: „Sztuka jest czysto subiektywna. Dla różnych ludzi może to oznaczać różne rzeczy”. Oczywisty kontrapunkt? “To samo z projektem!”

Ale przyjrzyjmy się bliżej.

Kiedy projektanci twierdzą, że sztuka musi być subiektywna, zwykle odnoszą się do sposobu, w jaki ludzie oceniają wyniki wysiłków artysty. Ten sposób myślenia o sztuce kładzie najwyższy nacisk na rezultaty. Innymi słowy, sztuka to przedmioty, performance i doświadczenia. Sztuka to malarstwo. Sztuka to taniec. Sztuka to pokaz świateł.

Postrzegana w ten sposób sztuka jest subiektywna. Myślę, że amerykański gotyk jest przerażający, ale uważasz, że jest inspirujący. Myślę, że krzesło Eamesa jest eleganckie, ale czujesz, że jest kiczowate. Myślę, że interfejs WhatsApp jest mylący, ale nigdy nie widziałeś nic bardziej eleganckiego. Sztuka jest wynikiem, wyniki są otwarte na interpretację i wszyscy mają rację!

Na szczęście definicja sztuki, którą zaproponowałem na początku tej debaty, jest bardziej zniuansowana, więc odświeżmy nasze wspomnienia:

Sztuka istnieje i istniała w każdej znanej kulturze ludzkiej i składa się z przedmiotów, przedstawień i doświadczeń, które są celowo obdarzone przez ich twórców wysokim stopniem zainteresowania estetycznego.

Zwróć uwagę na pogrubione słowa. Artyści „celowo nadają” swojej twórczości w dużym stopniu znaczenie. Innymi słowy, świadomie wzmacniają lub celowo wzbogacają. Jest zamiar poślubiony czynem.

Sztuka, rozumiana pełniej, nie jest rezultatem. Sztuka jest procesem, a proces sztuki jest przepełniony obiektywizmem.

Nie zgadzasz się? Rozważ stulecia powtarzalnych praktyk, ustandaryzowanych narzędzi, reakcji chemicznych i odkryć naukowych, które zawdzięczają sztuce. W zakresie, w jakim mogą istnieć rzeczywistości niezależne od umysłu (definicja obiektywności), sztuka jest obiektywna, ponieważ jest zależna od procesu.

Jeśli artysta ceramiczny wypali naczynie, nie pozwalając mu najpierw wyschnąć, eksploduje.

Jeśli pianistka położy palce na właściwych klawiszach, zagra zamierzony akord.

Jeśli projektant stron internetowych wybierze Dingbaty jako tekst podstawowy, duże fragmenty witryny jego klienta będą nieczytelne.

Najważniejsze jest to, Miklos, że w większości się z tobą zgadzam. Sztuka, a co za tym idzie design, jest mieszanką obiektywności i subiektywności, do której jest wystarczająco dużo niejednoznaczności, by debata Sztuka kontra Design trwała przez wiele lat.

Wniosek

Wcale nie jest jasne, czy te słowa – „Czym jest sztuka?” – wyrażają cokolwiek w rodzaju pojedynczego pytania, na które udzielane są konkurencyjne odpowiedzi, lub czy filozofowie proponujący odpowiedzi są nawet zaangażowani w tę samą debatę… Ogromna różnorodność proponowanych definicji powinno dać nam przerwę. – Kendall Walton

Na najbardziej podstawowym poziomie zarówno sztuka, jak i projektowanie starają się coś komunikować i bez względu na różnice, czy klasyfikowane jako sztuka piękna, komercyjna czy stosowana – obie formy w najlepszym przypadku wywołują reakcję emocjonalną.

Argumentowano, że różnica między sztuką piękną a sztuką użytkową wynika z kontekstu i ma więcej wspólnego z oceną wartości samego dzieła niż z niepodważalnym rozróżnieniem między tymi dwiema dyscyplinami. Co więcej, porównywanie „sztuki” i „projektu” jest, choć wzniosłym przedsięwzięciem, być może donkiszotycznym, ponieważ żadnego z nich nie można zdefiniować absolutnie, ponieważ ciągle się zmieniają – granice są stale przesuwane i miejmy nadzieję, że nadal będą takie w przyszłości. Ta debata jest przecież ponadczasowa.

Jak możemy decydować, czym jest sztuka, a czym dizajn, i dlaczego relacje między nimi są tak rozbite? Czy to różnica między tym, co funkcjonalne (projekt) a tym, co niefunkcjonalne (sztuka), tworzy niezgodę? Czy stolik kawowy Noguchi lub krzesło Rennie Mackintosh to tylko przedmiot funkcjonalny, czy może to sztuka, która akurat ma funkcję?

Glaswegian architekt, artysta i projektant Charles Rennie Mackintosh był jednym z pierwszych zwolenników zintegrowanej architektury artystycznej. Wierzył w czystą integrację formy i funkcji i przez całą swoją karierę starał się przedstawić teorię „pokoju jako dzieła sztuki”.

Frank Lloyd Wright tak mocno wierzył w jedność formy i funkcji, że zmienił często błędnie rozumiany aksjomat „forma podąża za funkcją”, ukuty przez jego mentora Louisa Sullivana, aby przeczytać, że „forma i funkcja to jedno”. Jego plan dla Guggenheima „…był uczynić z budynku i obrazów piękną symfonię, jakiej nigdy wcześniej nie było w świecie sztuki”.

Podsumowując, to nie sztuka kontra projekt, ale jedność tych dwóch jest podstawą każdego doskonałego projektu. Innymi słowy, dobry design zawiera w sobie sztukę.

• • •

Dalsza lektura na blogu Toptal Design:

• eCommerce UX – przegląd najlepszych praktyk (z infografiką)
• Znaczenie projektowania zorientowanego na człowieka w projektowaniu produktu
• Najlepsze portfolio projektantów UX – inspirujące studia przypadków i przykłady
• Zasady heurystyczne dla interfejsów mobilnych
• Projekt przewidujący: jak tworzyć magiczne doświadczenia użytkownika