Perché non hai bisogno di formazione sul design

Il design è un processo, ma non è prevedibile. Le scoperte arrivano all'improvviso e l'innovazione avviene senza preavviso. I designer affrontano ostacoli e adottano strategie che sperano portino soluzioni. È un tiro alla fune tra prova e trionfo.

Forse quindi l'abilità più utile che un designer può acquisire, soprattutto all'inizio, è la capacità di cogliere nuovi argomenti e applicare tale conoscenza a un'ampia varietà di problemi di progettazione. Più della competenza tecnica o di un portfolio raffinato, imparare a imparare è stato a lungo uno dei grandi risultati dell'educazione al design.

Per secoli, aspiranti artisti e designer si sono riuniti per lottare con tecnica e teoria. Gli ambienti educativi sono variati, ma il formato è rimasto coerente: istruttori testati nel settore sfidano gli studenti con esercizi che svelano i perché e i come della disciplina scelta.

Dal Rinascimento in poi, ciò si è verificato attraverso l'accordo tra maestro e apprendista, ma 100 anni fa istituzioni come il Bauhaus e The New School hanno dato il via a un'era d'oro delle scuole di design, accademie di istruzione superiore responsabili di molti dei nostri principali movimenti e problemi stilistici - metodologie risolutive. Queste scuole hanno anche prodotto una generazione di celebrità del design il cui lavoro ha influenzato profondamente il nostro ambiente costruito e la cultura popolare.

Oggi, il mondo del design sta cambiando a un ritmo senza precedenti nella storia umana precedente, ma le nobili radici dell'educazione al design si sono incavate, racchiudendo una struttura gravemente compromessa all'interno di un rivestimento di fasto e tradizione. L'importanza di un diploma di design sta scomparendo e, a meno che le scuole di design non subiscano una trasformazione radicale, svaniranno nell'antichità quando emergerà un nuovo paradigma educativo.

Per essere chiari, il modello in questione è il tradizionale percorso universitario quadriennale che porta alla laurea, poiché ora esiste un numero crescente di “accademia” di 10-12 settimane che promettono di preparare gli studenti a lavori di progettazione (spesso in UX) a una frazione del costo di una laurea quadriennale. L'efficacia di queste “accademia” è aspramente contestata, ma conserveremo la nostra indagine per una data successiva.

*Nota: non tutti ritengono che le scuole di design siano in pericolo. In un articolo successivo, il designer Jordan DeVos offrirà una confutazione in difesa delle istituzioni e degli educatori del design.

Il costo delle lezioni schiaccia gli aspiranti designer

Negli Stati Uniti, le tasse scolastiche di design in un'università quadriennale sono astronomicamente alte. Aggiungi gli anni successivi di rimborso del prestito studentesco e cosa ottieni?

Una generazione di giovani designer promettenti che lottano per la stabilità professionale mentre affrontano la creatività che risucchia fattori di stress finanziario.

Eccessivamente sensazionalizzato? Ritenere…

• In media, le tasse scolastiche annuali per gli studenti universitari che frequentano le 25 migliori scuole di design negli Stati Uniti sono di $ 30.660 .
• Ogni scuola tra le prime 25 è una scuola di 4 anni, il che significa che la retta media di 4 anni di queste istituzioni è di $ 122.640 .
• Questi numeri non includono alloggio, cibo o forniture, che possono aggiungere tra i 10 e i 20.000 dollari all'anno.
• Due anni dopo la laurea, il reddito medio annuo per i laureati delle prime 25 scuole di design è di $ 39.748 .

Questi numeri non sono grandiosi, ma alla fine la maggior parte dei designer guadagna sei cifre e l'investimento educativo ripaga, giusto? Bene…

• Il salario medio annuo per i 600.000 lavoratori dell'arte e del design americani è di $ 54.000 .
• Per i grafici, la cifra è di $ 53.300 .
• Per i designer commerciali e industriali, è $ 70.600 .

C'è una sfumatura nei numeri e le medie non parlano a tutte le storie. Tuttavia, le decisioni sulle tasse scolastiche che devono affrontare le aspiranti al design sono angoscianti. Quando l'allenamento è superiore al guadagno, qualcosa non va.

Una soluzione radicale: tagliare tutti i corsi non di design

In un'epoca informativa, rimaniamo stranamente innamorati di un modello di apprendimento medievale concepito per contrastare il prezzo esorbitante dei libri nel 14° secolo. Quindi abbiamo studenti di design tenuti ad acquistare fino a 50-60 ore di crediti di arti liberali per corsi completamente estranei al loro percorso professionale. A $ 400-1.800 per ora di credito (più spese di soggiorno e forniture), sembra che qualcuno venga preso in giro.

Cosa fare?

Adotta un programma accelerato di 48 settimane e taglia ogni lezione che non è direttamente correlata alla teoria, alla metodologia o all'applicazione del design.

Antropologia della microeconomia? Affettalo.

Argomenti quantitativi in ​​psicologia? Taglialo a dadi.

Fondamenti di orticoltura? Esci da qui!

Non c'è motivo per gli studenti designer di spendere quattro anni per accumulare debiti su lezioni non necessarie quando la maggior parte della loro formazione può essere realizzata in un anno di studio rigoroso.

I laureati in Design Education non sono pronti per lavori di design nel mondo reale

Che si tratti di una piccola agenzia o di una grande azienda, le iniziative concettuali di alto livello di importanti progetti di design sono spesso affidate a personale senior. In altre parole, ci vuole tempo per essere la persona che distribuisce grandi idee.

I progettisti di livello base trascorrono molte ore in attività di routine come l'impostazione del tipo, l'allineamento dei pixel e l'organizzazione delle librerie di file. Questo non vuol dire che i nuovi designer non si impegnino nella scoperta e nell'ideazione di concetti, ma in generale i loro ruoli richiedono un controllo tecnico.

Molti designer alle prime armi lasciano la scuola impreparati al ritmo, alla produzione e alle aspettative di qualità dei team di progettazione del mondo reale. Le scuole di design offrono ampio spazio agli studenti (ovvero ai clienti paganti) per esplorare aree di interesse e sperimentare idee all'avanguardia, ma cosa fa questo?

Due cose: gonfia la vanità creativa degli studenti e li prepara per i progetti di passione non pagati che occuperanno le loro serate e i fine settimana dopo l'ingresso nel mondo del lavoro.

Sfortunatamente, non prepara i nuovi designer a fornire risultati di alta qualità quando si avvicinano le scadenze, né consente la collaborazione all'interno di team multidisciplinari, un must per i designer di marchi e prodotti digitali.

Una soluzione radicale: emulare il modello Journeyman

Curriculum avviato dagli studenti? Ottimo marketing, ma coltiva la velocità, l'organizzazione e la resistenza di cui i laureati avranno bisogno nei loro primi lavori di progettazione? Li preparerà per quella prima settimana frenetica in cui viene loro chiesto di assemblare 500 banner pubblicitari o rivedere 200 wireframe prima della fine della giornata?

L'unico modo per prepararsi a questo tipo di fatica è l'esperienza di prima mano, motivo per cui le scuole di design dovrebbero emulare il modello dell'operaio utilizzato dai mestieri edili.

Ovviamente stiamo parlando di campi molto diversi, ma la formazione pratica ricevuta dagli apprendisti di mestiere ha dimostrato di:

• Creare una fornitura costante di lavoratori altamente qualificati;
• Aumentare la fidelizzazione dei dipendenti;
• E assicurati che i commercianti siano in grado di iniziare la loro carriera con un debito scolastico minimo o nullo.

In che modo le scuole di design possono incorporare un approccio simile? Ecco sette passaggi pratici:

1. Prima che gli studenti mettano piede nel campus, le scuole dovrebbero definire chiaramente l'ambiente di progettazione che rispecchia il loro programma. Che si tratti di un'agenzia ad alto ritmo, di un dipartimento di progettazione interno o di una configurazione freelance da remoto, gli studenti devono essere consapevoli dell'ambiente post-laurea che saranno meglio attrezzati per gestire.
2. Abbandona i percorsi di apprendimento autodiretti e i progetti tentacolari di un semestre. Il design è guidato dalle scadenze e consentire agli studenti di vagare attraverso i propri interessi crea cattive abitudini di gestione del tempo.
3. Dai il via a nuovi mini-progetti ogni settimana che affrontano un aspetto specifico del processo di progettazione. Ogni progetto potrebbe coprire un'area di interesse diversa come la ricerca degli utenti o il design visivo e tutti i mini-progetti potrebbero rientrare in uno sforzo più ampio e orientato al team (ad esempio, la progettazione del marchio, dell'esperienza utente e dell'interfaccia utente di un prodotto digitale). L'obiettivo è quello di abituare gli studenti al ritmo e al ritmo della settimana lavorativa di un designer.
4. Ruota gli studenti attraverso ruoli di progettazione chiaramente definiti e interdipendenti. Al momento, è troppo facile per gli studenti lavorare in isolamento su progetti che soddisfano solo i loro punti di forza.
5. Cambiare il ruolo di un professore da “facilitatore educativo” a quello di direttore creativo. I designer in formazione non hanno bisogno di maggiore libertà di scelta, hanno bisogno di imparare a lavorare il terreno creativo di stretti vincoli tramandati da qualcuno con più esperienza e autorità di loro.
6. Coinvolgi professionisti esperti di livello senior per fornire contemporaneamente tutoraggio e lavorare a fianco degli studenti. I consigli sono utili, ma gli studenti trarranno vantaggio anche dalla collaborazione con designer veterani durante tutto il processo di risoluzione dei problemi.
7. Misura i progressi quotidiani e affronta gli ostacoli, gli errori e le vittorie. Questa è una componente vitale di fiorenti team di progettazione. I progetti frenetici introducono tutti i tipi di ostacoli e risultati e un resoconto quotidiano è un ottimo modo per gli studenti di vedere cosa hanno imparato, dove sono cresciuti e come possono migliorare.

Le competenze trasversali sono completamente ignorate nell'educazione al design

Il design è un'impresa profondamente umana. In quanto tale, uno dei principali contributori al successo professionale di un designer è la padronanza dell'arte della comunicazione. Per navigare in modo efficace tra pari e relazioni con i clienti, i designer hanno bisogno di competenze trasversali come:

• Flessibilità dei ruoli - La capacità di indossare molti cappelli e imparare compiti non familiari
• Ascolto - La volontà di ascoltare e comprendere i pensieri degli altri
• Collaborazione - Condividere abilità e idee con gli altri e valorizzare le loro in cambio
• Valutare le critiche - Ordinare i feedback e decidere cosa è perseguibile
• Priorità delle attività: sapere quando fare cosa e la quantità di tempo necessaria
• Persuasione - Aiutare gli altri a vedere e condividere una visione

In un ambiente di progettazione professionale, le competenze trasversali aiutano i designer a comprendere i problemi e le persone con cui lavorano. Purtroppo, molti designer entry level faticano a comunicare le proprie idee e a ricevere critiche da colleghi e clienti.

La mancanza di competenze trasversali trasforma il feedback in parole combattive, rende personale la risoluzione dei problemi e interrompe progressi significativi attraverso il processo di progettazione.

Questo non è un problema di carattere, e non è semplicemente una questione di maturità. È un fallimento dell'allenamento. Troppo spesso, il lavoro dei corsi non è sufficientemente messo in discussione nelle critiche dei pari e gli studenti sono coccolati dalla falsa affermazione di superare i voti.

Una soluzione radicale: eseguire progetti reali per persone reali

In un certo senso, le soft skill sono come tutte le abilità, non sono innate in tutti, ma possono essere sviluppate con la pratica.

Tuttavia, a differenza delle hard skill, le soft skill non possono essere praticate in ambienti controllati. La natura interpersonale del design è estremamente imprevedibile. Persone, luoghi e problemi sono sempre in movimento.

L'unico modo per affrontare questo problema è trasformare i progetti teorici della scuola di design in progetti reali per persone reali. Come potrebbe funzionare?

I professori di design, con l'aiuto degli studenti, sarebbero tenuti a garantire progetti retribuiti (a una tariffa ridotta) attingendo alle reti di ex studenti, alla comunità imprenditoriale locale e ad altri dipartimenti universitari. Per incentivare il personale e gli studenti nel mondo reale, i professori guadagnerebbero bonus monetari per i progetti sbarcati e gli studenti verrebbero pagati dai guadagni dei progetti a cui prendono parte.

I vantaggi di questo piano sono due:

1. Gli studenti hanno l'opportunità di identificare i problemi, ascoltare il feedback e tracciare le correzioni del corso. Sono anche in grado di presentare lavori, partecipare a critiche e iterare nuove soluzioni, il tutto sotto la guida di un professore che può indicare le aree in cui devono migliorare.
2. Gli studenti ottengono visibilità sui clienti paganti e sulle diverse sfide che impongono al processo di progettazione. La vendita di design e la gestione di clienti investiti finanziariamente garantiranno agli studenti molte occasioni per apprendere le competenze trasversali che saranno così vitali per il successo della loro carriera.

Ricapitolando un modello “radicale”.

Per le scuole di design bloccate in un solco di metodologia ritualistica, abbiamo delineato tre soluzioni intese a modificare radicalmente lo status quo.

1. Taglia tutti i corsi non di progettazione e adotta un percorso accelerato verso la laurea (tra le 48 e le 72 settimane).
2. Emula il modello del lavoratore e aumenta notevolmente il numero e la frequenza dei progetti di design.
3. Sviluppa competenze trasversali richiedendo che studenti e professori si impegnino in progetti reali con clienti reali.

Un tale modello offre agli aspiranti designer l'accesso a una formazione rigorosa ma conveniente, li prepara a prosperare nelle realtà impegnative dei ruoli di progettazione junior e li equipaggia con capacità di comunicazione che accelerano la carriera.

È davvero così radicale?

L'istruzione non è il problema

Ecco la verità. Per essere un designer richiede una tonnellata di istruzione. L'apprendimento non si ferma mai. Nessuna conoscenza è sufficiente. C'è sempre altro da scoprire perché produciamo cose con l'intento principale di migliorare la vita delle persone, qualcosa che non possiamo mai ottenere senza una continua dedizione all'apprendimento.

Non fraintendere. L'istruzione non è in discussione. L'apprendimento non è in prova. Essere un designer richiede una forte curiosità che esplori e indaghi i diversi modi in cui le persone abitano e sperimentano il mondo che ci circonda.

Tuttavia, è tempo di ripensare a un modello che costringa gli studenti a spendere centinaia di migliaia di dollari per ottenere un certificato di autenticità prima di imbattersi in un settore altamente competitivo in cui inizialmente saranno sottopagati, impreparati e sicuramente sottovalutati.

La scuola quadriennale di design deve cambiare, o sarà sostituita da un approccio che affronti più abilmente le risorse, le capacità e lo sviluppo professionale degli aspiranti designer.

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