Por qué no necesitas educación en diseño

El diseño es un proceso, pero no es predecible. Los avances llegan de repente y la innovación ocurre sin previo aviso. Los diseñadores enfrentan obstáculos y emplean estrategias que esperan traigan soluciones. Es un tira y afloja entre la prueba y el triunfo.

Quizás entonces la habilidad más útil que un diseñador puede adquirir, especialmente al principio, es la capacidad de comprender nuevos temas y aplicar ese conocimiento a una amplia variedad de problemas de diseño. Más que la competencia técnica o un portafolio pulido, aprender a aprender ha sido durante mucho tiempo uno de los grandes resultados de la educación en diseño.

Durante siglos, los aspirantes a artistas y diseñadores se han reunido para luchar con la técnica y la teoría. Los entornos educativos han variado, pero el formato se ha mantenido constante: los instructores probados en la industria desafían a los estudiantes con ejercicios que revelan el por qué y el cómo de la disciplina elegida.

Desde el Renacimiento en adelante, esto se desarrolló a través del arreglo entre maestro y aprendiz, pero hace 100 años instituciones como la Bauhaus y The New School iniciaron una era dorada de las escuelas de diseño: academias de educación superior responsables de muchos de nuestros principales movimientos y problemas estilísticos. -Metodologías de resolución. Estas escuelas también produjeron una generación de celebridades del diseño cuyo trabajo influyó profundamente en nuestro entorno construido y en la cultura popular.

Hoy en día, el mundo del diseño está cambiando a un ritmo sin precedentes en la historia humana anterior, pero las raíces nobles de la educación en diseño se han hundido, encerrando una estructura gravemente comprometida dentro de un barniz de pompa y tradición. La relevancia de un diploma de diseño está desapareciendo y, a menos que las escuelas de diseño experimenten una transformación radical, se desvanecerán en la antigüedad a medida que surja un nuevo paradigma educativo.

Para ser claros, el modelo en cuestión es el camino universitario tradicional de cuatro años que conduce a una licenciatura —ya que ahora existe un número creciente de “academias” de 10 a 12 semanas que prometen preparar a los estudiantes para trabajos de diseño (a menudo en UX) a una fracción del costo de un título de cuatro años. La eficacia de estas "academias" está fuertemente cuestionada, pero reservaremos nuestra investigación para una fecha posterior.

*Nota: No todos sostienen la posición de que las escuelas de diseño están en peligro. En un artículo de seguimiento, el diseñador Jordan DeVos ofrecerá una refutación en defensa de las instituciones de diseño y los educadores.

El costo de la matrícula aplasta a los aspirantes a diseñadores

En los Estados Unidos, la matrícula de la escuela de diseño en una universidad de cuatro años es astronómicamente alta. Agregue los años siguientes de pago de préstamos estudiantiles y ¿qué obtiene?

Una generación de jóvenes diseñadores prometedores que luchan por la estabilidad profesional mientras se enfrentan a la creatividad que absorbe los factores estresantes financieros.

¿Excesivamente sensacionalista? Considerar…

• En promedio, la matrícula anual para estudiantes universitarios que asisten a las 25 mejores escuelas de diseño en los EE. UU. es de $30,660 .
• Cada escuela en el top 25 es una escuela de 4 años, lo que significa que la matrícula promedio de 4 años de estas instituciones es de $122,640 .
• Estos números no incluyen vivienda, alimentos o suministros, que pueden agregar entre $ 10 y 20, 000 de costo anual.
• Dos años después de la graduación, el ingreso anual promedio para los graduados de las 25 mejores escuelas de diseño es de $39,748 .

Estos números no son muy buenos, pero eventualmente, la mayoría de los diseñadores ganan seis dígitos y la inversión educativa vale la pena, ¿verdad? Bien…

• El salario medio anual de los 600.000 trabajadores del arte y el diseño de Estados Unidos es de 54.000 dólares .
• Para Diseñadores Gráficos, la cifra es de $53,300 .
• Para Diseñadores Comerciales e Industriales, es $70,600 .

Hay un matiz en los números, y los promedios no hablan de todas las historias. Aún así, las decisiones de matrícula que enfrentan los aspirantes al diseño son angustiosas. Cuando el entrenamiento es más alto que los ingresos, algo no funciona.

Una solución radical: eliminar todos los cursos que no sean de diseño

En una era informacional, seguimos extrañamente enamorados de un modelo de aprendizaje medieval concebido para contrarrestar el precio exorbitante de los libros en el siglo XIV. Así es que se requiere que los estudiantes de diseño compren hasta 50-60 créditos de artes liberales para cursos que no tienen nada que ver con su trayectoria profesional. A $ 400-1, 800 por hora de crédito (más gastos de manutención y suministros), parece que alguien está siendo engañado.

¿Qué hacer?

Adopte un programa acelerado de 48 semanas y elimine todas las clases que no estén directamente relacionadas con la teoría, la metodología o la aplicación del diseño.

¿Antropología de la Microeconomía? Rebanarlo.

¿Temas cuantitativos en psicología? Cortarlo en dados.

¿Fundamentos de la horticultura? ¡Fuera de aquí!

No hay motivo para que los estudiantes de diseño dediquen cuatro años a endeudarse en clases innecesarias cuando la mayor parte de su capacitación se puede lograr en un año de estudio riguroso.

Los graduados en educación en diseño no están preparados para trabajos de diseño en el mundo real

Ya sea en una agencia pequeña o en una gran corporación, las iniciativas conceptuales de alto nivel de los proyectos de diseño importantes suelen confiarse al personal senior. En otras palabras, se necesita tiempo para ser la persona que ofrece grandes ideas.

Los diseñadores de nivel de entrada dedican muchas horas a tareas rutinarias como configurar el tipo, alinear píxeles y organizar bibliotecas de archivos. Eso no quiere decir que los nuevos diseñadores no se involucren en el descubrimiento y la ideación de conceptos, pero en general, sus roles requieren un dominio técnico.

Muchos diseñadores novatos dejan la escuela sin estar preparados para el ritmo, el rendimiento y las expectativas de calidad de los equipos de diseño del mundo real. Las escuelas de diseño brindan un amplio espacio para que los estudiantes (también conocidos como clientes que pagan) exploren áreas de interés y experimenten con ideas de vanguardia, pero ¿qué se logra con esto?

Dos cosas: infla la vanidad creativa de los estudiantes y los prepara para los proyectos de pasión no remunerados que ocuparán sus tardes y fines de semana después de ingresar al mundo laboral.

Desafortunadamente, no prepara a los nuevos diseñadores para ofrecer resultados de alta calidad cuando se acercan los plazos, ni permite la colaboración dentro de equipos multidisciplinarios, algo imprescindible para los diseñadores de marcas y productos digitales.

Una solución radical: emular el modelo Journeyman

¿Plan de estudios iniciado por el estudiante? Gran marketing, pero ¿cultiva la velocidad, la organización y la resistencia que los graduados necesitarán en sus primeros trabajos de diseño? ¿Los preparará para esa frenética primera semana en la que se les pedirá que armen 500 anuncios publicitarios o que revisen 200 esquemas antes del final del día?

La única forma de prepararse para ese tipo de rutina es la experiencia de primera mano, razón por la cual las escuelas de diseño deberían emular el modelo de oficial utilizado por los oficios de la construcción.

Obviamente, estamos hablando de campos muy diferentes, pero se ha demostrado que la capacitación práctica que reciben los aprendices de oficios:

• Crear un suministro constante de trabajadores altamente calificados;
• Aumentar la retención de empleados;
• Y asegúrese de que los comerciantes puedan comenzar sus carreras con una deuda educativa mínima o nula.

¿Cómo pueden las escuelas de diseño incorporar un enfoque similar? Aquí hay siete pasos prácticos:

1. Antes de que los estudiantes pongan un pie en el campus, las escuelas deben definir claramente el entorno de diseño que refleja su programa. Ya sea que se trate de una agencia de alto ritmo, un departamento de diseño interno o una configuración de trabajo independiente remoto, los estudiantes deben conocer el entorno posterior a la graduación para el que estarán mejor equipados.
2. Deshazte de los caminos de aprendizaje autodirigido y de los extensos proyectos semestrales. El diseño se basa en fechas límite, y permitir que los estudiantes deambulen a través de sus propios intereses crea malos hábitos de gestión del tiempo.
3. Inicie nuevos miniproyectos cada semana que aborden una faceta específica del proceso de diseño. Cada proyecto podría cubrir un área de enfoque diferente, como la investigación de usuarios o el diseño visual, y todos los miniproyectos podrían encajar dentro de un esfuerzo mayor orientado al equipo (es decir, diseñar la marca, UX y UI de un producto digital). El objetivo es aclimatar a los estudiantes al ritmo y ritmo de la semana de trabajo de un diseñador.
4. Rotar a los estudiantes a través de roles de diseño claramente definidos e interdependientes. En la actualidad, es demasiado fácil para los estudiantes trabajar de forma aislada en proyectos que solo se adaptan a sus puntos fuertes.
5. Cambiar el rol de un profesor de “facilitador educativo” al de un director creativo. Los diseñadores en formación no necesitan más libertad de elección, necesitan aprender a trabajar el terreno creativo de las estrechas restricciones dictadas por alguien con más experiencia y autoridad que ellos.
6. Reúna a profesionales experimentados de alto nivel para que brinden tutoría y trabajen junto con los estudiantes al mismo tiempo. Los consejos son útiles, pero los estudiantes también se beneficiarán al colaborar con diseñadores veteranos durante todo el proceso de resolución de problemas.
7. Mida el progreso diario y aborde los obstáculos, los fracasos y las victorias. Este es un componente vital de los equipos de diseño prósperos. Los proyectos de ritmo rápido presentan todo tipo de obstáculos y logros, y un informe diario es una excelente manera para que los estudiantes vean lo que han aprendido, dónde han crecido y cómo pueden mejorar.

Las habilidades blandas se ignoran por completo en la educación en diseño

El diseño es un esfuerzo profundamente humano. Como tal, uno de los principales contribuyentes al éxito de la carrera de un diseñador es dominar el arte de la comunicación. Para navegar las relaciones entre pares y clientes de manera efectiva, los diseñadores necesitan habilidades blandas como:

• Flexibilidad de roles: la capacidad de usar muchos sombreros y aprender tareas desconocidas
• Escuchar: disposición para escuchar y comprender los pensamientos de los demás.
• Colaboración: compartir habilidades e ideas con otros y valorar las de ellos a cambio.
• Evaluar las críticas: clasificar los comentarios y decidir qué es procesable
• Priorización de tareas: saber cuándo hacer qué y la cantidad de tiempo que lleva
• Persuasión: ayudar a otros a ver y compartir una visión

En un entorno de diseño profesional, las habilidades interpersonales ayudan a los diseñadores a comprender los problemas y las personas con las que trabajan. Lamentablemente, muchos diseñadores de nivel de entrada luchan por comunicar sus ideas y recibir críticas de colegas y clientes.

La falta de habilidades blandas convierte la retroalimentación en palabras de pelea, hace que la resolución de problemas sea personal y detiene el progreso significativo a través del proceso de diseño.

Esto no es una cuestión de carácter, y no es simplemente una cuestión de madurez. Es un fracaso de entrenamiento. Con demasiada frecuencia, el trabajo del curso no se cuestiona lo suficiente en las críticas de los compañeros, y los estudiantes se ven mimados por la falsa afirmación de las calificaciones aprobatorias.

Una solución radical: realizar proyectos reales para personas reales

En cierto modo, las habilidades blandas son como todas las habilidades, no son innatas en todos, pero se pueden desarrollar con la práctica.

Sin embargo, a diferencia de las habilidades duras, las habilidades blandas no se pueden practicar en entornos controlados. La naturaleza interpersonal del diseño es tremendamente impredecible. Las personas, los lugares y los problemas siempre están cambiando.

La única forma de abordar esto es convertir los proyectos escolares teóricos y de diseño en proyectos reales para personas reales. ¿Cómo podría funcionar esto?

Se requeriría que los profesores de diseño, con la ayuda de los estudiantes, aseguren proyectos pagados (a una tarifa reducida) aprovechando las redes de ex alumnos, la comunidad empresarial local y otros departamentos universitarios. Para incentivar al personal y a los estudiantes de una manera real, los profesores obtendrían bonificaciones monetarias por los proyectos realizados y los estudiantes recibirían un pago de las ganancias de los proyectos en los que participan.

Los beneficios de este plan son dos:

1. Los estudiantes tienen la oportunidad de identificar problemas, escuchar comentarios y trazar correcciones en el curso. También pueden presentar trabajos, participar en críticas e iterar nuevas soluciones, todo bajo la guía de un profesor que puede señalar las áreas en las que necesitan mejorar.
2. Los estudiantes se exponen a los clientes que pagan y los diversos desafíos que imponen en el proceso de diseño. La venta de diseño y la gestión de clientes con inversión financiera otorgarán a los estudiantes muchas ocasiones para aprender las habilidades blandas que serán tan vitales para el éxito de su carrera.

Recapitulando un modelo “radical”

Para las escuelas de diseño atrapadas en una rutina de metodología ritualista, hemos esbozado tres soluciones destinadas a alterar radicalmente el status quo.

1. Eliminar todos los cursos que no sean de diseño y adoptar un camino acelerado hacia la graduación (entre 48 y 72 semanas).
2. Emule el modelo oficial y aumente drásticamente el número y la frecuencia de los proyectos de diseño.
3. Desarrolle habilidades blandas al exigir que los estudiantes y profesores participen en proyectos reales con clientes reales.

Tal modelo brinda a los aspirantes a diseñadores acceso a una capacitación rigurosa pero asequible, los prepara para prosperar en las exigentes realidades de los roles de diseño junior y los equipa con habilidades de comunicación que aceleran su carrera.

¿Es eso realmente tan radical?

La educación no es el problema

Aquí está la verdad. Ser diseñador requiere mucha educación. El aprendizaje nunca se detiene. Ninguna cantidad de conocimiento es suficiente. Siempre hay más por descubrir porque hacemos cosas con la intención central de mejorar la vida de las personas, algo que nunca podremos lograr sin una devoción continua por el aprendizaje.

No malinterpretes. La educación no está en cuestión. El aprendizaje no está a prueba. Ser diseñador requiere una sólida curiosidad que explore e investigue las diversas formas en que las personas habitan y experimentan el mundo que nos rodea.

Sin embargo, es hora de repensar un modelo que obliga a los estudiantes a gastar cientos de miles de dólares para obtener un certificado de autenticidad antes de tropezar con una industria altamente competitiva en la que inicialmente serán mal pagados, mal preparados y ciertamente menospreciados.

La escuela de diseño de cuatro años debe cambiar, o será reemplazada por un enfoque que aborde de manera más capaz los recursos, las habilidades y el desarrollo profesional de los aspirantes a diseñadores.

Lectura adicional en el blog de diseño de Toptal:

• Los mejores libros y libros electrónicos de diseño que todo diseñador debería leer
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